Pytanie:
Nauka tworzenia melodii
MJohnson52
2014-06-20 18:58:18 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Sprawdziłem już swoje pytanie w Google i natknąłem się na kilka wątków, które przeczytałem kilka razy. Jak dotąd zajmuję się teorią muzyki i rozumiem skale, jak powstają akordy, wiem, jakie interwały są oddalone od siebie o pół kroku (np. Maj2nd - cały krok), ale nie mogę powiązać informacji, aby stworzyć własne melodie.

Widziałem tę samą terminologię, więc uczę się odpowiedniego materiału, ale po prostu nie wiem, jak stworzyć melodię.

Dla mnie melodia jest zestaw nut, które brzmią przyjemnie dla ucha. Fakt, że w oktawie jest 12 nut i ludzie tworzą niekończące się niesamowite melodie naprawdę mnie inspiruje. Dużo czytałem z teorii muzyki i chciałbym zacząć tworzyć muzykę już teraz. Każda rada jest zawsze mile widziana.

Jedyną zasadą, której zamierzam się trzymać, jeśli chodzi o prostotę, jest pozostanie w wybranej skali, aby wiedzieć, jakie nuty wycisnąć, ale jak się dowiedzieć, które nuty brzmią dobrze razem - czy są jakieś tam teorię, którą mogę zastosować?

Czytałem też, że tworzenie melodii jest czymś, czego nie można się nauczyć - więc jak odnosi się do tego teoria muzyki? Chcę skoncentrować swoje wysiłki na tworzeniu melodii i budowaniu instrumentów na podstawie mojej dotychczasowej wiedzy oraz rozwijaniu umiejętności.

Można się nauczyć tworzenia melodii, więc trochę informacji jest błędnych. Musisz jednak podać więcej informacji. Czy grasz na jakichś instrumentach lub próbujesz tworzyć muzykę za pomocą jakiegoś programu z pianinem?
Ok dzięki, czytałem na forach typu gearslutz atakujących ludzi zadających to samo pytanie. Przepraszam za brak tła - mam klawiaturę midi i chcę tworzyć instrumenty i używać Cubase jako mojego DAW
Cóż, nie jesteśmy tutaj, aby atakować, jesteśmy tutaj, aby pomóc, ale ta część informacji jest błędna. Pytam jeszcze raz, czy grasz na jakichś instrumentach? Potrzebuję tej informacji, zanim będę mógł odpowiedzieć.
Klawiatura :) Dzięki, przejrzałem kilka odpowiednich wątków i na tym forum są dobre informacje.
Tworzenie melodii uczy się w ten sam sposób, w jaki uczy się każdej umiejętności, ćwicząc i eksperymentując. Nie można nauczyć się gry na instrumencie, po prostu czytając teorie na temat gry na instrumencie, trzeba go wziąć pod ręce i poćwiczyć. To samo dotyczy melodii, możesz poczytać o teorii, którą polecam i która bardzo Ci pomoże, ale musisz ćwiczyć. Z pewnością można się nauczyć tworzenia melodii.
Cieszę się, że oboje odpowiadacie za pomocą rzeczy, które już omówiłem i mam wskazówkę, że mam podstawy, ale muszę teraz zastosować je w praktyce. Mój plan polegał dokładnie na trzymaniu się określonego klucza i budowaniu wokół tego instrumentalnej ścieżki. Naprawdę wydaje się, że nie możesz nauczyć się tworzyć melodii - po prostu ćwicz grę z nutami w określonej tonacji. Kiedy obowiązują okresy? Poza tym eksperymentowanie z grą na klawiaturze nauczy mnie, jakie nuty brzmią dobrze razem, prawda? Dziękuję wszystkim za odpowiedzi :)
Czy możesz podać kilka wskazówek / pomysłów, jak uzyskać teorię, która może pomóc konkretnie? Poza tym myślę, że masz rację, to tylko praktyka. Dzięki
Teoria może pomóc ci dowiedzieć się, co może brzmieć dobrze, ale ostatecznie wszystko, co możesz zrobić, to spróbować różnych rzeczy i zobaczyć. Kompozytorzy, których znam, siadają (lub wstają) przy swoich instrumentach i po prostu grają. Czasami mieli jakiś pomysł w głowie i próbują go przenieść na instrument. Innym razem po prostu bawią się, aż znajdą coś, co im się podoba. Teoria jest ważniejsza, aby dowiedzieć się, jak przekształcić ją w pełny utwór muzyczny, zwłaszcza jeśli będzie miał wiele części, akompaniament akordowy itp.
Jest i było wielu, wielu graczy, którzy tworzą świetne melodie. Wielu z nich nie ma wiedzy teoretycznej, o której mogliby mówić. Niektórzy faceci, z którymi grałem, muszą zapytać, jaki jest akord lub nuta, którą grają. Nie przeszkadza im to w tworzeniu wspaniałych linii melodycznych, wzorów akordów itp. W rzeczywistości część mnie, jako kogoś, kto zna teorię, mówi, że właśnie dlatego mogą to robić tak dobrze - nie ugrzęznąć w teorii - który przecież nikomu nie mówi, co ma robić, ale próbuje wyjaśnić, jak to działa po wydarzeniu. Korzystanie z teorii przypomina trochę malowanie po numerach!
Dwanaście odpowiedzi:
filzilla
2014-06-20 22:17:05 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Tworzenie melodii lub linii melodycznej niewiele różni się od tworzenia figury na rysunku.

Widzę dwa końce spektrum wyborów, a wszystko pomiędzy nimi jest możliwe.

1) pochodna

2) oryginał


I. Melodie pochodne są dosłownie iw przenośni podporządkowywaniem wpływom środowiska. Oto przykłady:

Melodia oparta na śpiewających ptakach.

Melodia oparta na klaksonach samochodów w ruchu w godzinach szczytu.

Melodia lub tekstura oparta na fale oceanu.

Melodia oparta na rozmowie kobiety (często używana przez prowadzących gitarę bluesową).

Melodia oparta na maszynerii „Ballet Mécanique” George'a Antheila.

Melodia oparta na ogniu, wietrze lub deszczu, „The Four Seasons” (wł. Le quattro stagioni) ... zestaw czterech koncertów skrzypcowych Antonio Vivaldiego lub „Sonic Seasonings” Wendy Carlos, dawniej Walter Carlos.


II. Oryginalna zawartość melodyczna opiera się wyłącznie na wyimaginowanych dźwiękach, na przykład:

Improwizowane na miejscu i w danym momencie, na przykład melodie klasycznych North Indian Raga Singers oraz wielu kompozytorów / wykonawców jazzu i nowej muzyki.

Melodia, w której dźwięk jest całkowicie aleatoryczny. (John Cage 4 '33 ")

Melodia, która spełnia określony cel kompozycyjny, np. 12-tonowa muzyka atonalna.

Melodia, w której umiejętności techniczne pozwalają na organizację wysokości dźwięku w super ludzki sposób wymagających inżynierii mechanicznej i / lub elektronicznej i / lub komputerowej, takiej jak muzyka elektroniczna Edgarda Varèse, Karlheinza Stockhausena, Maggie Payne, The HUB, Davida Behrmana i wielu innych.


III. Gdzieś pomiędzy nimi dwie skrajności:

Melodia, która dostarcza dobrego wątku do łączenia zawartości harmonicznej lub oparta na progresji akordów, w większości jazzu.

Melodia, która definiuje formę muzyczną, taką jak kontrapunkt.


Chociaż powyższe jest brutalnie uproszczone, pozwala na szeroki zestaw wskazówek, które pozwalają na zbudowanie prawie wszystkiego w melodycznej zawartości.

Teoria muzyki z dowolnej kultury, badanie skal, badanie literatury muzycznej - wszystkie one mają swoje miejsce w pomaganiu kompozytorowi w tworzeniu melodii, ale są tak samo ograniczające, jak użycie linijki lub krzywej francuskiej dla artysty. Tych rzeczy najlepiej używać jako wskazówek i miar dla proporcji i formy kompozycyjnej, ale nie mogą one być większe niż emocjonalna treść przekazana przez kompozytora i ożywiona przez wykonawcę.

Jeśli chodzi o „melodie to coś, czego nie można nauczyłem się ”.

Jeśli ktoś może nauczyć się chodzić, może wybrać podróż.

Jeśli ktoś może nauczyć się mówić, może zostać usłyszany.

Jeśli można słuchać, a potem uczyć się od innych.

Jeśli umiesz czytać i pisać, możesz pisać listy i rozumieć wysłane.

Jeśli umiesz tworzyć sztukę (muzykę, taniec, figury), można połączyć jedno serce ze wszystkimi.

Komponowanie to po prostu dokonywanie wyborów, czy patrzysz na zawartość melodyczną, czy na symfonię. Im więcej dowiesz się, jakie opcje masz do wyboru, tym lepsza stanie się realizacja pomysłu.

W jakim sensie 4'33 "jest aleatoryczne?
@ filezilla - aleatoryczny to ryzykowny sposób opisania tego. Jego kontynuacja, 9:06, była dwukrotnie lepsza ...
@ninemileskid 4'33 "jak wiecie, to wszystkie„ pauzy ”, dlatego jedynymi dźwiękami, które się pojawiają, są dźwięki otoczenia, które są całkowicie przypadkowe.
@Tim 4'33 "jest lepiej znany, więc służy jako bardziej znany przykład, ale dzięki za włożenie.
To był właściwie żart ... Chociaż cisza dwa razy dłuższa musi być dwa razy lepsza ...
Jeśli przez "całkowicie aleatoryjny" masz na myśli, że kompozytor nie może określić * żadnej * struktury muzycznej, to 4'33 "jest dobrym przykładem i być może jedynym. (Ale jak to odpowiedziałoby na pytanie OP?). przykłady z twojej kategorii II, myślę, że masz na myśli aleatoryjne, w których kompozytor wciąż może określić * jakiś * stopień struktury, w takim przypadku zastanawiam się, czy bardziej przemyślany przykład lepiej służy twojemu punktowi, np. Tren.
@Tim. Naprawdę jest 9:06 Tim (przynajmniej trwa 9:06), ale +1 za żart. Oto link, ten brzmi inaczej niż jego przyrodni brat: http: //www.allmusic.com/performance/first-construction-in-metal-for-6-percussionists-mq0000612101
@ninemileskid, Cóż, właściwie Cage zaimplementował resztę, która podaje instrukcje i formę. Tak więc, jak większość prac Johna Cage'a, jest miejsce na przypadek i strukturę. Powiedz proszę, do którego Trenu masz na myśli?
@filzilla https: // www.youtube.com / watch? V = HilGthRhwP8
@ninemileskid +1 za świetne znalezisko, naprawdę uwielbiam animowaną partyturę. Z pewnością jedno z największych dzieł XX wieku znawcy klastrów brzmieniowych Krzysztofa Pendereckiego. Z pewnością wyszło to z jego wyobraźni. Chociaż nie jest to aleatoryczne, to absolutnie należy do kategorii oryginału i powinno zostać włączone do tej kategorii. Proszę zauważyć, że moje przykłady nie są pełne, są to po prostu niejasne pojęcia w pobliżu parku piłek. :>
@filzilla Dlaczego nie uważasz, że jest to aleatoryczne? W pewnym świetle cała wykonywana muzyka jest aleatoryczna, ponieważ wykonawca ma przynajmniej odrobinę wyboru w zakresie interpretacji utworu. U Mozarta przejawia się to w doborze tempa, vibrato itp., A na drugim biegunie 4'33 ". Moim zdaniem istnieje kategoria muzyki bliższa 4'33" niż Mozart, który jest umownie nazywany "aleatorycznym" do której należy ten utwór Pendereckiego, tym bardziej, że jego „oryginalna treść melodyczna” jest superpozycją na wpół przypadkowych wyborów wielu wykonawców zaaranżowanych w całkowicie przypadkowy sposób.
@ninemileskid Dziękuję za zwrócenie mi na to uwagi. Zgodnie z twoją definicją, wszystkie przedstawienia mają pewien aleatoryczny proces w akcie interpretacji, podobnie jak teatr, taniec, kino itp. Nakreślam tutaj granicę, że są kompozytorzy tacy jak John Cage, którzy specjalnie zamierzają zdecydować o części lub całości projektu. przypadkowo. Stoję poprawiony na utworze Pendereckiego, zgadzam się, że są instrukcje, które należą do przypadku. Dziękuję Ci.
To fascynujące - przez aleatorykę zawsze rozumiałem, że wybór jest podejmowany nie tylko z rąk kompozytora, ale także PERFORMATORA. Jeśli „alea” pochodzi z łaciny „die / dice”, to mówiąc ściśle, aleatoryczna muzyka powinna być muzyką, w której o wyborach (lub wyborach w określonym podzbiorze) decydują nie tylko siły inne niż wykonawca (lub, jeśli moja rozumienie jest niepoprawne, przez kompozytora), ale siłami LOSOWO, tak?
@Joel Derfner, Ściśle mówiąc, prawdopodobnie masz rację, ale niejednokrotnie w muzyce można znaleźć dużo „szarej” strefy. Pamiętaj, że muzyka jest sztuką, a nie nauką, chociaż działają zasady naukowe. Rozważ także inne terminy, które mogą, ale nie muszą mieć zastosowania: procesy stochastyczne, przypadkowe, nieplanowane, przypadkowe, chaotyczne, nieoczekiwane ... wszystko to może w pewnym stopniu graniczyć z przypadkowym krajobrazem. W jakim celu może to być po prostu rozdwajanie włosów, ale ponieważ ludzie preferują strukturę, może to pomóc w wyraźniejszym zdefiniowaniu granic.
To pojawia się cały czas na lekcjach historii muzyki. Muzyka, w której aspekty wykonania nie są kontrolowane przez kompozytora, jest „nieokreślona”. Muzyka, w której aspekty samego procesu kompozytorskiego nie są kontrolowane przez kompozytora, jest „aleatoryjna”. (Alea, jak wspomniano powyżej, jest łacińskim słowem oznaczającym kości, tj. Przypadek). Muzyka może być nieokreślona, ​​ale nie aleatoryczna (koncert Mozarta, w którym kadencja jest pozostawiona graczowi); może być również aleatoryczny, ale nie bardziej nieokreślony niż inna muzyka (wyobraź sobie utwór, którego nuty i rytmy są wybierane przez rzucanie kostką, a następnie są zapisywane).
T. C.
2014-06-21 19:21:38 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Podczas analitycznego słuchania muzyki (zwłaszcza muzyki, którą lubisz), odkryjesz różne wzory i rzeczy, które pomogą Ci nauczyć się pisać melodie.

Na przykład to oczywiste w wielu utworach fraza melodyczna obejmuje kilka taktów, które można podzielić przez liczbę 4. Jeśli potrafisz przyporządkować 4 części niektórych takich melodii (oczywiście, które lubisz), możesz określić ich rolę w melodii. Na przykład dość wcześnie zauważyłem, że bardzo lubię melodie , w których pierwsza i druga część są takie same, z wyjątkiem ostatniej nuty. Być może znajdziesz takie wzorce, które również Ci odpowiadają.

Ponadto, jak już pewnie zauważyłeś, ruchy w półtonach świetnie nadają się do wyrażania smutku. Użyj tego!

Lub, jeśli to nie twoja filiżanka herbaty, wyrzuć je i trzymaj się skali pentatonicznej. Ma bardzo unikalny i rozpoznawalny styl, a utwory, które go używają, są często opisywane jako „niesamowite”.

Sprawdź, jak przebiega przebieg akordów ( i jakie oczekiwania stwarza dla słuchacza >) współpracuje z twoją melodią. Na przykład, ta sama melodia ma zupełnie inny efekt, jeśli kończy się akordem I (oczekiwany), niż ta sama melodia, gdyby kończyła się akordem VI („zwodnicza”). A melodia może wzbudzić oczekiwania, jeśli spoczywa przez chwilę w akordzie V - często pośrednio obiecuje taką samą ilość melodii wkrótce.

Wykonuj mutacje w krótszych melodiach. Na przykład spróbuj powtórzyć akordy melodii, ale w strategicznych miejscach wybierz inną nutę (z tego samego akordu) niż ostatnio. Na przykład w akordzie V, w którym zagrałeś nutę II w pierwszej iteracji, teraz zamiast tego zagraj nutę V. Ta sztuczka jest powszechna, aby dać słuchaczowi znać, że ta konkretna część utworu osiąga lub osiągnęła punkt kulminacyjny.

Zmieniaj nastrój w trakcie. Jeśli twoja melodia ma subtelny charakter, spróbuj podążać za nią z czymś, co ma główny charakter. Utwory, które tego nie robią, mogą zabrzmieć monotonnie. Z mojego doświadczenia wynika, że ​​ludzki umysł dostrzega i docenia przejścia bardziej niż sytuacje stacjonarne. Wesoła część będzie brzmiała szczęśliwiej, jeśli nastąpi po smutnej części, a smutna część, która nastąpi po szczęśliwej, zabrzmi jeszcze smutniej i bardziej dramatycznie.

Zawsze pamiętaj o tym, jak to się dzieje w przypadku sztuka, chodzi nie tylko o cel, ale i podróż. Melodia może być podróżą na drugą stronę skali iz powrotem. Nie oznacza to, że nie ma utworów, w których melodia pozostaje w obrębie kilku nut. Ale zazwyczaj tego rodzaju utwory inwestują w coś innego niż ich właściwość bycia melodyjnym - być może jakiś rodzaj harmonicznego lub nawet czysto rytmicznego efektu.

Oczywiście możesz też po prostu wybierz jakieś akordy (nawet przypadkowe, jeśli chcesz eksperymentować) i napisz głosy, korzystając z zasad, które znasz ze studiowania teorii muzyki (jeśli masz w tym jakieś doświadczenie). Można tam odkryć kilka wspaniałych melodii, a jeśli będziesz trzymać się bardziej przewidywalnych sekwencji akordów, Twoje piosenki będą brzmiały tak samo jak inne utwory.

Staraj się trzymać nietypowy metrum (może to zająć kilka minut wcześniejszej praktyki) i zbadaj , co możesz z tego zrobić.

Możesz nawet przeczytać wiersz lub niektóre teksty (do których nigdy nie słyszałeś muzyki) i spróbuj zauważyć, jak instynktownie czytasz je w głowie (lub na głos), a następnie zapisz jakąkolwiek melodię, która pojawiła się w twojej głowie. To zabawne, a niektóre rozpoznawalne melodie często pochodzą z wcześniej napisanych wersetów.

Lub możesz dosłownie oglądać ptaki siedzące na przewodach zasilających.

Wielkie dzięki za to !! Ponownie przeczytam wszystkie odpowiedzi, ale szukam stylu melodycznego, czy ktoś może przywołać te nuty, abym mógł przeanalizować interwały itp. Później proszę: To brzmi tak, jakby to były pojedyncze nuty, które są odgrywane po pozostałych https: //soundcloud.com/mjohnson52/piano-1 To jest progresja akordów z odrobiną przechodzących tonów, które myślę, że pomiędzy - to jest szczególnie ten, którego szukam, więc mogę nauczyć się grać w tego rodzaju stylu, brzmi dla mnie naprawdę dobrze .. https://soundcloud.com/mjohnson52/chord-progression-piano
Tim
2014-06-20 19:38:27 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Mówisz, że znasz skale. Większość melodii, zwłaszcza tych prostszych, składa się z nut o określonej skali, czy to durowej, czy mollowej. Na początek spróbuj użyć pentatoniki. Są to gamy dur / moll, w których brakuje niezręcznych nut. Jak w C-dur, C, D, E, G, A. Nie F lub B. Używając tylko tych nut, można stworzyć wiele dobrych melodii, ponieważ pominięcie 4 i 7 oznacza, że ​​nic się nie zderzy - nigdy !! I nie myśl, że melodie okażą się „Myszką Miki”. Posłuchaj solówki w Sir Duke (Stevie Wonder) - oprócz dwóch przechodzących nut, wszystko jest pentatoniczne.

Kiedy będziesz zadowolony z tego pomysłu, zacznij dodawać pozostałe dwa. Myślę, że jesteś ugrzęznąć w teorii. Teoria dla mnie pojawia się po tym, gdzie jesteś. Jeśli zestaw nut brzmi dobrze po kolei, to będzie to uzasadnione w teorii. Używanie teorii do tworzenia melodii nic nie da.

Przede wszystkim trzymaj się jednego klawisza przez całą piosenkę i używaj tylko nut pochodzących z tej tonacji. Będą dobrze brzmiały razem i przynajmniej dadzą ci podstawę do rozpoczęcia.

Fabricio
2014-06-22 17:45:30 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Po pierwsze: wydaje mi się, że mylisz melodię z pełnym utworem muzycznym. Mówiąc najprościej, melodia lub linia melodyczna to sekwencja monofonicznych nut (jedna nuta grana na raz), a utwór muzyczny to linia melodyczna grana z harmonizacją, która ją wspiera.

Na przykład, wyobraź sobie, że piszesz następującą linię melodyczną:

enter image description here

Pierwszą rzeczą do zrobienia jest określenie, w której tonacji się znajduje, i odpowiednia zmiana sygnatury tonacji. W tym przypadku mamy d-moll oznaczoną ostatnią długą nutą będącą d i po obejrzeniu wszystkich innych użytych dźwięków dopasowano je do gamy d-moll. Zwłaszcza naturalne F (które daje małą tercję) i Bb oddaje to:

enter image description here

Oto jak to brzmi.

Potem następuje część, która jest dla mnie najtrudniejszą częścią budowania utworu muzycznego. Wciąż próbuję się nauczyć, jak to robić poprawnie: dodajesz akordy, aby zharmonizować melodię. Był to pierwszy utwór, który sam skomponowałem i zharmonizowałem. Próbowałem użyć kadencji II-V-I, bardzo powszechnej w jazzie. Jeśli jest coś, czego nauczyłem się o harmonii, to to, że nie jest ona nauką ścisłą (podobnie jak muzyka czy sztuka w ogóle), a nauczenie się jej zajmuje dużo czasu:

enter image description here

Oto dźwięk if.

Wreszcie, dodając rytm do harmonii i dodając linię bazową i perkusję, otrzymałem to. (Jest to cała część, a nie pierwsze 16 taktów, jak poprzednio) Ten ostatni krok można łatwo wykonać za pomocą oprogramowania takiego jak Band in a box lub iReal Book na iPhonie.

Mam nadzieję, że to pomoże.

W jazzie V-II-I jest powszechne? Może miałeś na myśli II-V-I (lub ii-V-I)?
pmse234 says Reinstate Monica
2016-11-07 22:10:14 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Inne postery wspominały o najważniejszych zasobach, które możesz sprawdzić. Nie będę ich powtarzać. Podam jednak bardziej niekonwencjonalną odpowiedź, aby je zrównoważyć. Jak najbardziej, chłonąć tyle, ile tylko możesz: teoria, kompozycja itp. Pozwól swojej ciekawości naprawdę wciągnąć cię w chwasty. Zbadaj melodie swoich ulubionych melodii ze szczególną dokładnością, tak jakbyś je dekodował w poszukiwaniu jakiejś wielkiej teorii melodii.

Następnie usiądź przy swoim DAW i odpuść to wszystko. Jeśli w tym momencie nie masz żadnej inspiracji, zrób pierwszy trudny krok i odłóż sekwencję akordów - nawet taką, która cię specjalnie nie porusza. Twój umysł się zbuntuje, ponieważ brzmi to tak prosto, ale jak powiedziałeś, wszystko pochodzi z tych 12 prostych dźwięków.

W takim razie pozwól magii improwizacji przejąć kontrolę. Jak Ty to robisz? Twój umysł zbuntuje się przeciwko samemu poglądowi, że jesteś w stanie zrobić wszystko. „Nie jestem muzykiem. Nie wiem, co robię”. Nonsens. Muzykalny może być każdy i każdy. Dziecko może nucić do melodii, grając na pierwszym „instrumencie”, jeśli chcesz, zanim dowie się czegoś o teorii. Po prostu posłuchaj progresji odtwarzanej w programie DAW. Przymus natychmiastowego odłożenia całej melodii sprawi, że na początku będzie to trudne. Zignoruj ​​ten przymus. Po prostu posłuchaj postępu. Następnie posłuchaj siebie. Prawdopodobnie nie usłyszysz całej melodii. Prawdopodobnie usłyszysz jedno lub dwu nutowe upiększenie sekwencji akordów. W porządku. To jest pomysł. Zapętl to w swoim DAW. Masz teraz sekwencję akordów z kilkoma nutami zdobiącymi ją. Posłuchaj tego. Posłuchaj, gdzie twoje ucho chce złapać tę małą pętlę. Czy chce, abyś rozwinął tę podstawową ideę, którą już masz? Czy chce, żebyś odpowiedział na to innym pomysłem, kolejną ozdobą? Zdziwiłbyś się, co możesz zbudować w ten sposób. Zanim się zorientujesz, możesz mieć bardziej złożony pomysł muzyczny, który wzywa cię do zapomnienia o początkowej sekwencji akordów i nadania jej zupełnie innej.

Pomyśl o sobie jako o muzyku jazzowym grającym solo i daj sobie spokój - cokolwiek pomoże. Pojęcie improwizacji jazzowej ZDECYDOWANIE pomaga. A jeśli to oznacza, że ​​za miesiąc możesz skomponować świetne jazzowe solo, ale chcesz tworzyć bardziej skoncentrowane, konwencjonalne melodie, zacznij ograniczać się do skali pentatonicznej i zobacz, jak to idzie.

Jeśli poświęć trochę czasu, przeczytaj książkę Victora Wootena THE MUSIC LESSON. Jest to trochę new-age, jasne, ale udowadnia, że ​​melodia to coś więcej niż teoria, a muzyka to coś więcej niż melodia (lub po prostu „nuty”, jak mógłby je nazwać).

Nie zrozum mnie źle. Pracuję w dziedzinie ilościowej, analitycznej i uwielbiam zagłębiać się w naukę o melodii w jej najbardziej zniuansowanej formie. Ale myślę, że za każdy taki wyprawa w teorię potrzebna jest kolejna próba porzucenia tego wszystkiego, odpuszczenia tego i pozwolenia sobie na tworzenie.

user2808054
2014-06-20 19:31:18 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Jeśli już wypracowałeś część utworu muzycznego - powiedz sekwencję akordów, melodia może się „zasugerować”, gdy słuchasz granych akordów.

Również zestaw nuty w skalach używanych przez akordy będą oczywiście zawężać nuty, które są rozsądne. Czasami działa to na twoją korzyść, ponieważ tworzenie melodii jest utrudnione przez zbyt wiele opcji. Używanie akordów jako czynnika ograniczającego może trochę pomóc.

Innym sposobem na zrobienie tego jest napisanie melodii, którą lubisz, a następnie wypełnienie jej towarzyszącymi akordami.

Jeśli chodzi o „ jakie nuty brzmią dobrze razem ”- cóż, jest alchemia.

To subiektywne, ponieważ niektóre utwory mogą dla niektórych brzmieć świetnie, a dla innych nie. To nie pomoże ci tworzyć melodii, ale miejmy nadzieję, pomoże ci zrozumieć, że „Uniwersalnie piękna melodia” to coś, co jest bardzo trudne / niemożliwe do wykonania.

Jeśli chodzi o pisanie muzyki i melodii, możesz dobrze się zastanowić, jaki nastrój chcesz osiągnąć i podążać za tym.

Na przykład klawisze dur są ogólnie uważane za „radosne”, a klawisze molowe za „smutne”, ale to tylko wskazówka , jest wiele przykładów złamania reguły.

Nie jestem pewien, czy naprawdę istnieją jakieś twarde i szybkie zasady, których należy przestrzegać. Właściwie uważam, że najciekawsze melodie (dla mojego ucha) wydają się łamać postrzegane zasady.

Jednak myślę, że umiejętności tworzenia przyjemnych melodii można się nauczyć, być może ucząc się budować napięcie i uwalnianie (kadencja) i różne nastroje (dur / moll).

Z mojego doświadczenia wynika, że ​​eksperymentowanie podczas grania jest prawdopodobnie najlepszym rozwiązaniem.

Robert Soupe
2014-06-23 01:59:57 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Prawie każda książka o kontrapunkcie zawiera porady dotyczące tworzenia melodii. Poleciłbym skorzystać z tej rady, nawet jeśli nie jesteś zainteresowany pisaniem muzyki kontrapunktycznej (fugi, kanony itp.). Jeśli jest to dobra melodia do śpiewania, prawdopodobnie jest to również dobra melodia dla większości instrumentów muzycznych.

Lee Kowalkowski
2014-07-30 02:59:29 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Jest tu już kilka wybitnych odpowiedzi. Zamierzam zająć się błędem „nie do nauczenia się”, ponieważ może to być po prostu dobre intencje.

Rozumiem, co to znaczy „nie można się nauczyć” i nie zgadzam się, myślę, że lepiej byłoby przedstawić argument jako „nie można się nauczyć”. Na przykład nikt nie nauczył cię chodzić ani jeździć na rowerze, po prostu dawali ci nieskończoną zachętę, dopóki sam się tam nie dostałeś. Więc zaczynam ...

Chcesz stworzyć coś zupełnie oryginalnego, łatwego, każdy mógłby to zrobić, nikt nie musi Cię tego uczyć, więc ... prawdopodobnie jest kilka dodatkowych wymagań:

  • Prawdopodobnie chciałbyś stworzyć coś, co chciałbyś usłyszeć ponownie.
  • Musisz pamiętać, jak to odtworzyć.

Chciałbym to jeszcze raz usłyszeć!

Dlaczego? Zakładam więc, że nie był to zbiór przypadkowych notatek. Dlaczego nie było to dla ciebie przypadkowe? Nawet jeśli wszystkie nuty należą do tonacji, skali, trybu, nawet jeśli harmonizują z sekwencją akordów, nadal mogą być losowe, po prostu losowe w ramach tych ograniczeń.

Kiedy usłyszałeś te nuty za pierwszym razem Czasem wydarzyło się coś niezwykłego, miały sens, nawet na poziomie abstrakcyjnym, jakoś zrozumiałeś to, co właśnie zrobiłeś, jakby opowiadali historię i podobało ci się. Co jest fantastyczne! To jest pożądany rezultat. Żałuję, że nie mogę ci powiedzieć, jak to zrobić, do woli, i często pisać znaczącą melodię.

Możesz rozstać się z dobrymi pieniędzmi na książkach i kursach, które twierdzą, że właśnie tego uczą, bądź moim gościem, ale myślę, że takie materiały byłyby bestsellerami, gdyby naprawdę działały.


Jak to rozegrałem?

Wejdź do teorii muzyki. Zwłaszcza skale, klawisze, tryby, akordy, harmonia, rytm ... oparte na stuleciach obserwacji zjawisk muzycznych.

Pomoże ci to łatwiej zrozumieć mechanikę melodii, nie jest to niemożliwe bez wyraźnej wiedzy muzycznej, jak wiele osób robi, ale może to skrócić czas znajdowania rzeczy, które chciałbyś usłyszeć ponownie, i pomożemy Ci w mentalnym uporządkowaniu informacji o Twojej muzyce, abyś pamiętał, jak ją odtwarzać. Świetnie.


Czy jednak teoria muzyki nauczyła Cię, jak tworzyć melodię? Z pewnością nie zaszkodziło, ale sam w sobie nie jestem pewien, czy dostarcza „twórczej iskry”, wyobraźni, pomysłów. Oczywiście mogło tak być, ponieważ wszystko może, ale z mojego doświadczenia wynika, że ​​kreatywność „po prostu się dzieje”, nie ma przepisu, tajemnicy na sukces, twardych i szybkich zasad, po prostu to robisz.

Jeśli nie możesz naturalnie konceptualizować w myślach oryginalnej melodii (na przykład, jeśli czytasz słowa kandydatów i nie możesz `` usłyszeć '' melodii, która Twoim zdaniem dobrze do niej pasuje), nie ma się czym martwić, to tylko jedna technika, jest niezliczona ilość innych np. darmowa gra).

Teoria muzyki zapewnia ramy, ale nie oczekuj, że będzie to portal do tworzenia oryginalnej melodii. Teoria muzyki może dać ci ograniczenia dla twojej muzyki, aw niektórych sytuacjach bycie ograniczonym może być kreatywnym impulsem (np. Spróbuj stworzyć melodię z 4 przypadkowych tonów - zdziwiłbyś się, ile osób może to zrobić).

Z drugiej strony, usuwanie ograniczeń to kolejna metoda pobudzania kreatywności, studiowanie koncepcji muzycznej, która jest ci nieznana, może poszerzyć horyzonty i czerpać nowe inspiracje. Każde przejście do nowej perspektywy może przyczynić się do kreatywności, nawet zmian pozamuzycznych, na przykład emocjonalnego wydarzenia w twoim życiu.

Wielu artystów wyznało kiedyś, że „melodia właśnie nadeszła”, ponieważ gdyby to było boskie doświadczenie. Jest też aspekt, kiedy próbując wymusić kreatywność, zostaje ona zablokowana. Najwyraźniej nawet nuda może pomóc kreatywności!

MrTheBard
2014-06-23 17:04:45 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Wygląda na to, że masz przynajmniej podstawowe rozumienie teorii muzyki. Zrozumienie pojęcia akordów i skal jest podstawą kompozycji muzycznej. Ja również uważam to za tak interesujące i piękne, że z 12 nutami, które można znaleźć w muzyce zachodniej, jest tak wiele możliwości.

Istnieje wiele zawiłości w komponowaniu muzyki i im głębiej wchodzisz w muzykę, tym bardziej będzie Cię ona zaskakiwać i zachwycać, a czasami frustrować.

To, co sugerowałbym, to poszukać kilku popularnych sekwencji akordów, a mianowicie I, IV, V, a ii, V, I oraz I, IV, VI, V. Trzymaj się tych sekwencji akordów w kilku pierwszych kompozycjach i wymyślić dla nich melodie. Wiele melodii ma charakter pytań i odpowiedzi. Myślę, że to nie tylko świetna praktyka, ale także całkowicie akceptowalne, aby utrzymywać proste melodie i używać tego formatu pytań i odpowiedzi.

Te progresje akordów są często używane we wszystkich gatunkach. I, IV, V działa tak dobrze, ponieważ zawiera wszystkie nuty gamy! Dlatego jeśli będziesz trzymać się tylko jednej skali, jak zaproponowałeś powyżej, nie zabrzmi to źle. Teraz, czy to brzmi dobrze, zależy od tego, jak sprytnie potrafisz posługiwać się nutami skali. Ostatecznie będziesz musiał ocenić, czy to, co piszesz, brzmi dobrze.

Chociaż teoria istnieje, nie jest receptą na udaną muzykę. Sztuka jest niezwykle subiektywna, gdyby teoria dostarczyła przepisu na to, jak pisać dobrą muzykę, to technicznie rzecz biorąc, każda piosenka na świecie napisana przez kogoś znającego się na muzyce brzmiałaby dobrze, a jestem pewien, że zdajesz sobie sprawę, po prostu nie jest. walizka.

Joel Derfner
2014-07-15 16:55:40 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Warto spojrzeć na Melodię w pisaniu piosenek Jacka Perricone. Jest przeznaczony oczywiście dla autorów piosenek, ale podstawowe zasady melodii, które przedstawia, mają zastosowanie do każdego rodzaju muzyki.

Dzięki, sprawdzę to, poza tym postanowiłem naprawdę nauczyć się swoich skal, akordów i jak najlepiej wykorzystać teorię muzyki i zastosować ją ćwicząc inne piosenki, a następnie tworzyć własne kompozycje
ttw
2016-11-06 20:00:24 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Staromodną, ​​ale wciąż aktualną książką o tworzeniu melodii jest „Exercises in Melody Writing” Percy'ego Goetschiusa, którą można bezpłatnie pobrać tutaj: https://ia802605.us.archive.org/16/items /exercisesinmelo00goetgoog/exercisesinmelo00goetgoog.pdf

Jest to podstawowy, ale bardzo szczegółowy opis części struktury melodycznej. Jest też wiele ćwiczeń.

pro
2018-07-31 22:46:42 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Śpiewaj.

Jeśli naprawdę chcesz tworzyć melodie, śpiewaj. I słuchaj. Cały czas. Śpiewaj z kawałkami muzyki, którą słyszysz lub tylko do połowy. Śpiewaj ze ścieżkami dźwiękowymi. Śpiewaj z radiem. Śpiewaj swoje ulubione melodie. Kiedy mówisz do siebie, śpiewaj słowa. Twórz piosenki, tak jak robiłeś to jako dziecko. Kiedy usłyszysz, jak śpiewasz coś fajnego, nagraj to.

Śpiewaj riffy, krótkie powtarzające się fragmenty melodyczne o długości 2-4 taktów. Śpiewaj wariacje każdego riffu.

Kiedy wrócisz do wybranego instrumentu, graj przeciwko nagranym piosenkom i riffom. Naucz się im towarzyszyć. Śpiewaj z nimi. Śpiewaj kontrapunktowo.

Na koniec zacznij mashupy piosenek. Jeśli nie jesteś pewien, jak to zrobić, posłuchaj albumu Umphrey McGee „Zonkey”. A jeśli wolisz bardziej klasykę, posłuchaj Charlesa Ivesa.

Fascynujące melodie nie pochodzą z teorii, pochodzą z innego miejsca w naszych umysłach. Teoria pomaga wspierać melodie i usuwać szorstkie kawałki



To pytanie i odpowiedź zostało automatycznie przetłumaczone z języka angielskiego.Oryginalna treść jest dostępna na stackexchange, za co dziękujemy za licencję cc by-sa 3.0, w ramach której jest rozpowszechniana.
Loading...