W powszechnym użyciu są trzy znaki klucza oraz klucz neutralny lub perkusyjny .

Najczęściej spotykane w muzyce fortepianowej, w których dwa klucze są oddzielone przestrzeń, w której żyje `` środkowe C '', na własnej, dłuższej linii, gdy jest to potrzebne. idź w górę o 5 od tego C, które stało się czymś w rodzaju punktu danych, i jest linia G, wokół której zawija się klucz G - często nazywany klucz wiolinowy .

Zejdź na dół o 5 od C i jest linia F, wokół której zawija się klucz F - często nazywany kluczem basowym . Wydaje mi się, że te nuty były uważane za kluczowe i są również rozmieszczone symetrycznie.

Wiele instrumentów może mieć wszystkie lub większość swoich nut zapisanych w jednej z tych dwóch pięciolinii, bez zbyt wielu kropek na dłuższych liniach. Jednak zakresy niektórych instrumentów spadają niezręcznie, więc używany jest klucz C . Jest ruchomy i może stworzyć dowolną linię w miejscu, w którym mieszka środkowe C. Zwykle nie przedstawiaj środkowego C na spacji.

Istnieją inne klucze, na przykład klucz wiolinowy z dołączoną 8, co daje przydatne miejsce na muzykę na gitarę. Wszystkie nuty są w rzeczywistości zapisywane o oktawę powyżej ich dźwięku na gitarze, co oszczędza pisanie ich w kluczu basowym, a następnie konieczność używania dłuższych linii.

Powód, dla którego nie ma klucza kluczowego itp., jest prawdopodobnie to, że klucz C, będąc ruchomym, poradzi sobie całkiem nieźle z każdą pracą, którą mógłby (nowy znak) klucz wiolinowy, chociaż jedna nuta się nazywa. Mamy więc już wystarczająco dużo narzędzi do tego zadania. I mnóstwo muzyków jest zadowolonych z ich używania; nie mylą; muzyka dobrze z nimi współpracuje.

Nawiasem mówiąc, neutralny klucz jest przeznaczony głównie dla niezastrojonej perkusji, gdzie na przykład werbel ma środkową linię dla kropek .

EDYCJA: zgodnie z `` The Origin of Musical Clefs '' klucz wiolinowy rozpoczął życie jako `` G '', bas jako `` F '' - dość łatwe do zauważenia - a klucz C jako `` C '', chociaż dlaczego nie jest podane. Klucz C jest dość oczywisty, ale dlaczego wysokie tony musiały wyglądać jak G, a bas F, jeszcze nie odkryłem.

Prawie każda konwencja może być inna, aw wielu przypadkach prawdopodobnie także lepsza. Jednak w większości przypadków ktoś wygrał i jest to zbyt destrukcyjne, aby zmienić.

Spośród tych kluczy, prawdopodobnie klucz C jest najłatwiejszy do zrozumienia, mimo że jest najrzadziej używany. Wskazuje położenie środkowego C, które stało się standardowym punktem odniesienia. Ten klucz jest używany tam, gdzie to możliwe. Staje się niedostępny, gdy przejdziesz do klucza wiolinowego lub do klucza basowego, ponieważ żaden z nich nie ma linii dla środkowego C. oktawa powyżej (klucz wiolinowy) lub poniżej (klucz basowy) środkowe C, ale musiałyby one oznaczać przerwy między liniami, które mogą być mniej wyraźne. Kolejnym najbardziej naturalnym przedziałem jest piąta, co ma tę zaletę, że piąty powyżej lub poniżej środkowego C również znajduje się na prostej. Tak więc zaznaczenie piątej nad środkowym C (klucz G) i piątej poniżej (klucz F) jest całkiem dobrym rozwiązaniem.

Edycja: należy zachować ostrożność w przypadku słowa „klucz”. Używa się go w dwóch nieco odmiennych znaczeniach: odnosząc się do symboli (tak jak ich używasz); odnoszące się do konkretnego symbolu w określonej lokalizacji. Na przykład „klucz altowy” i „klucz tenorowy” używają symbolu klucza C, ale w innym miejscu. Obecnie jest to wspólne tylko z symbolem klucza C, ale może wystąpić z symbolami G i F. Ten artykuł wydaje się całkiem niezły: Clef (Wikipedia)

Edit: Zapomniałem o kluczu perkusyjnym, zobacz odpowiedź Tima.

W innych odpowiedziach jest wiele spekulacji, ale to pytanie ma w rzeczywistości bardzo konkretną i dokładną odpowiedź historyczną, przynajmniej w odniesieniu do kluczy F i C. Podsumowując, podstawowa odpowiedź jest taka, że ​​Guido z Arezzo zdecydował się użyć F i C jako nut kotwicznych na początku do połowy XI wieku, głównie po to, aby wskazać, że nuty te miały półton pod nimi. Klucz G został dodany znacznie później, aby zapewnić nutę kotwicy w wyższym zakresie.

Aby odpowiedzieć bardziej szczegółowo:

O co chodzi specjalne o G, F i C? Kto zdecydował się ich użyć i dlaczego?

„Kim” jest Guido z Arezzo, osoba, która wymyśliła między innymi zespół muzyczny. Przed Guido istniały symbole zwane neumami, które wskazywały na ogólny kształt melodii, ale nie było sposobu, aby dokładnie określić, jak wysoko lub nisko była dana nuta w stosunku do otaczających ją neum. Najlepsze, co mogliby zrobić skrybowie, to napisać niektóre neumy nieco wyżej lub niżej niż inne. Ale nie było personelu, więc te neumy są czasami określane jako in campo aperto („na otwartym polu”). (Zobacz przykład tutaj, z neumami zapisanymi nad słowami.)

Około 1030 roku Guido zaproponował metodę pomiaru dokładnego położenia notatki w stosunku do innych:

Nuty są więc tak ułożone, że każdy dźwięk, choćby często powtarzał się w melodii, zawsze znajdował się we własnym rzędzie. Aby lepiej rozróżnić te wiersze, narysowane są linie blisko siebie [...]. Wszystkie dźwięki w jednej linii lub w jednej przestrzeni brzmią jednakowo. Abyś mógł zrozumieć, do jakich linii lub odstępów należy każdy dźwięk, pewne litery monochordu są zapisywane na początku linii lub spacji . ¹

Te „pewne litery monochordu” oznaczały nazwy nut A, B, C, D, E, F, G. Właściwie B występowało w tym czasie w dwóch odmianach: hard b lub kwadrat b , który teraz nazywamy B-naturalnym i miękkie b lub zaokrąglone b , które teraz nazywamy B-płaskim. Te osiem możliwych nazw / liter nut stanowiło wówczas kompletny zestaw standardowych notatek. Stąd pochodzi muzyczny klucz wiolinowy, ponieważ znaki F, C i G, których nadal używamy, są stylizowanymi wersjami tych liter. Pierwotnie w systemie Guido każda litera nutowa mogła funkcjonować jako znak klucza poprzez zaznaczenie linii lub spacji.

Ale ponieważ system notacji Guido był tak nowy, dodał jeszcze jedną cechę przewodnią - kolorowe linie:

A linie również są przekreślone w kolorach [...]. Używamy dwóch kolorów, a mianowicie żółtego i czerwonego i za ich pomocą nauczę Cię bardzo użytecznej zasady, która pozwoli Ci z łatwością zorientować się, do jakiego tonu i do jakiej litery monochordu należy każde neum i dźwięk; [...] gdziekolwiek zobaczysz kolor żółty, tam jest trzecia litera [C], a kiedy zobaczysz kolor czerwony, tam jest szósta litera [F] , niezależnie od tego, czy te kolory są włączone linie lub między nimi .... ²

Pierwotnie F i C były wyróżnione i oznaczone kolorowymi liniami. Zauważ tutaj, że te kolorowe linie F i C mogą w rzeczywistości występować na linii pięciolinii lub w spacji i mogą być wskazane w dowolnej oktawie. Dlaczego Guido wybrał właśnie te nuty? Dwa główne powody: ³

1. F i C to dwa miejsca na skali, które miały półton pod nimi. Ważne jest, aby pamiętać, że nawet do wczesnych lat XVII wieku klucz wiolinowy często poruszał się nawet od wiersza do wiersza w określonej części pisemnej. Śpiewacy musieli być w stanie natychmiast zmienić orientację w miejscu, w którym nuty gamy padały na każdą linię. Jeśli nie jesteś przyzwyczajony do naszej współczesnej praktyki polegającej na tym, że klucz wiolinowy przypada na określoną linię, najważniejszą rzeczą, którą musisz wiedzieć, jest to, gdzie są półtony. Ponieważ średniowieczny śpiew pierwotnie nie był notowany za pomocą znaków przypadkowych (innych niż potencjalne B-flat), można było zwykle założyć, że każda inna linia / przestrzeń inna niż C lub F oznacza całonotonową relację z otaczającymi ją nutami.
2. F i C wydają się być czymś w rodzaju „nut kotwiczących” w notacji śpiewów. Nawet w tamtym czasie wiele figur melodycznych wykorzystywało rodzaj wiodącego tonu , który rozdzielał się o pół tonu do F i C. neumy, więc te notatki były pod pewnymi względami bardziej widoczne w skali. (To wyjaśnia wybór F i C, aby wskazać półton, zamiast E i B, aby wskazać półton powyżej.)

Oto dwunasty -stuletni przykład tego wczesnego zapisu, z czerwonymi liniami wskazującymi F i żółtymi liniami (nieco wyblakłymi) oznaczającymi C. Zauważysz również F przed pięcioliniami w górnej części strony (co wygląda trochę jak nasz nowoczesny klucz F z dwiema kropkami tworzącymi linie litery F), a także C zapisany z przodu jako klucz na dole strony.

Jak wspomniano powyżej, w pierwszym zapisie w języku Guidonian można było umieścić dowolną literę przed pięciolinią, aby wskazać nutę na linię lub spację. Patrząc na pierwsze kilka wieków notacji pięcioliniowej, najczęstszymi tonami wyróżnionymi literą / kluczem były, w malejącej kolejności częstotliwości (i przy użyciu nowoczesnej notacji oktawowej): F3, C4, F4, C3, D3, A3, G4, E4, G2, B2, B ♭ 3. ⁴

Najczęstszymi nutami dla kluczy były F3 i C4 (to, co teraz nazywamy „środkowym C”), gdzie zwykle znajdują się nasze współczesne klucze. Ale istniała ogromna różnorodność nut używanych w kluczach. Z drugiej strony użycie kolorowych linii było znacznie bardziej ograniczone. Wkrótce po wprowadzeniu notacji pięciolinii powszechne stało się umieszczanie zarówno F3, jak i C4 na liniach i kolorowanie ich odpowiednio na czerwono i żółto. Podczas gdy można zobaczyć inne linie F i C w innych oktawach (na liniach lub w odstępach między normalnymi liniami pięciolinii), najczęściej pojawiły się na F3 i C4, prawdopodobnie dlatego, że znajdowały się najbliżej środka zakresu nut gdzie większość melodii śpiewów została zapisana. (Dalszy dowód, że te kolorowe linie były używane do wskazywania półtonów poniżej, można zobaczyć dzięki rzadkiemu, ale nieco konsekwentnemu użyciu zielonych linii do wskazania jednego możliwego przypadkowego B w niektórych wczesnych rękopisach. W tym przypadku linia C czasami nie była kolorowy, ponieważ nie miałby półtonu poniżej, ale zamiast tego B ♭. ⁵ )

W każdym razie, ostatecznie funkcja kolorowych linii F i C została w połączeniu z zapisami literowymi kluczy. Pierwotnie niekolorowe linie laski były często tylko wyskrobywane na pergaminie lub tylko lekko farbowane. Jednak zmiany pisaków i atramentu na przestrzeni wieków ułatwiły rysowanie wielu długich linii na stronie, co prowadziło do standardowych czarnych lub czerwonych linii dla wszystkich wierszy pięciolinii. Uciążliwa praktyka polegająca na pokolorowaniu niektórych linii na czerwono lub żółto (dla F i C) została stopniowo wycofana. Zamiast tego F i C pojawiły się jako standardowe miejsca do umieszczania znaków klucza, teraz na pięciokolorowej pięciolinii. Ponieważ F3 i C4 były centralne dla zakresu większości pieśni i oba występowały na liniach (które wcześniej były specjalnie pokolorowane), te konkretne oktawy F i C stały się standardowymi lokalizacjami.

Klucz G stał się standardem znacznie później. Generalnie istniała potrzeba umieszczenia punktu zakotwiczenia w górnym zakresie skali. Standardowa skala Guidona (lub gama ) przebiegała między nutami, które teraz nazywamy G2 do E5. G2 wymagałoby tylko przeczytania trzech linii poniżej notowanego klucza F3, ale nuta tak wysoka jak E5 byłaby oddalona o więcej niż cztery linie od klucza C4. Ponieważ standardowa pięciolinia, która stopniowo pojawiała się w późnym średniowieczu, miała zwykle tylko cztery linijki (choć zmieniała się ona przez stulecia), istniała potrzeba, aby mieć jakąś inną standardową nutę oznaczoną jako klucz w górnym rejestrze.

W przeciwieństwie do wyraźnych dowodów z Guido wyjaśniających pochodzenie F i C jako centralnych punktów dla kluczy, nie ma podobnego pojedynczego źródła pojawienia się kluczy G. Jest jednak kilka czynników, które mogły wpłynąć na wybór G jako trzeciego miejsca dla standardowych kluczy:

1. Prosta symetria: kiedy tony F3 i C4 stały się standardowymi miejscami dla kluczy , umieszczone dwie linijki od siebie, sensowne może być umieszczenie kolejnego klucza dwa linijki powyżej C4, czyli na G4. Wiele wczesnych diagramów personelu w traktatach teoretycznych pokazuje wszystkie linie całej skali, z centralnym rozmieszczeniem F-C-G wykazującym oczywistą symetrię. (Może to być potwierdzone przez sporadyczne przypadki, gdy D5 również zawiera literę / klucz we wczesnych źródłach, znowu dwie linie nad G4.)

2. Gdy F i C stały się standardowymi miejscami dla znaków klucza, G był już znaczącą nutą do użycia w trzecim kluczu, szczególnie na samym dole zakresu skali na G2, nuta nazwana wówczas gamma-ut . Nadal używamy tej linii G jako najniższej standardowej linii we współczesnej notacji basowej, ponieważ była to najniższa nuta skali. Nawet w znacznie późniejszych źródłach (do XVI, XVII, a nawet XVIII wieku) ta najniższa linia pięciolinii była czasami oznaczana wielką grecką literą gamma (Γ), szczególnie w traktatach teoretycznych wyjaśniających pochodzenie skali. Biorąc pod uwagę centralne użycie G o dwie oktawy niżej, być może linia G4 również wydawała się rozsądnym miejscem na wskazanie klucza.

3. G był również początkowym tonem heksachordu. Oprócz notacji pięciolinii, Guido wprowadził również metodę solmizacji, pierwotnie używającą sylab Ut-Re-Mi-Fa-Sol-La . Interwał Mi-Fa zawierał notoryczny półton. W pierwotnej średniowiecznej skali były tylko trzy miejsca, w których można było rozpocząć wzór ton-ton-półton-ton sześcioboku: C, F (z B ♭) i G (z B ♮). Ponieważ dwie pozostałe opcje klucza - F3 i C4 - działały jako Ut w hexachordach, jednym naturalnym wyborem dla klucza w górnym zakresie może być G4, który również pierwotnie funkcjonował jako najwyższy Ut w gamie. (Jak wspomniano w powyższym punkcie, najniższy Ut był już często sygnalizowany Γ kluczem.)

4. Prosty proces eliminacji. Gdy F3 i C4 pojawiły się jako standardowe klucze, które przypadały na linie, klucz w górnym zakresie powinien również znajdować się na linii. E4 jest problematyczne, ponieważ klucze pierwotnie wskazywały na półtony poniżej, a ten ma półton powyżej. B4 jest podobnie problematyczny i potencjalnie zawierał również problem płaski / naturalny. D5 może działać i faktycznie jest czasami widoczny (jak zauważyłem powyżej), ale jest raczej wysoko w najwyższym rejestrze oryginalnej gamy. G4 jest na linii i brakuje mu innych problemów, oprócz wszystkich pozytywnych funkcji, które już zauważyłem.

Bez względu na dokładny powód (prawdopodobnie głównie punkty 1 i 4 powyżej), G4 pojawiło się jako inne standardowe miejsce na klucz w XIV wieku i tak pozostało od tamtej pory. Należy jednak zauważyć, że do połowy XVIII wieku klucze F i C były nadal te najbardziej standardowe, pierwotnie oparte na Guido i pozycji półtonu. Klucze G aż do ostatnich kilku stuleci występowały zwykle tylko w notacji niektórych instrumentów, które były wysokie; rzadko spotykano je w muzyce wokalnej lub klawiszowej (nawet z dużą rozpiętością), gdzie klucze C były nadal preferowane w wyższych zakresach.

¹ From a Prologue napisane przez Guido, cytowane z Thomas Forrest Kelly, Capturing Music: The Story of Notation (Norton, 2015), s. 62–63.

^{2 sup > Cytowane w Kelly, s. 63.}

³ Bardziej szczegółowe wyjaśnienie można znaleźć na stronach 18–19 Josepha Smitsa van Waesberghe, „ The Musical Notation of Guido of Arezzo , „ Musica Disciplina 5 (1951), s. 15–53.

⁴ Smits van Waesberghe, s. 33.

⁵ Patrz Smits van Waesberghe, str. 41–43. Dalsze omówienie i interpretację można znaleźć w: Anna Zayaruznaya, „ In Defense of Green Lines, or The Notation of B-flat in Early Ambrosian Antiphoners”, w: Ambrosiana at Harvard: New Sources of Milanese Chant (Houghton Library, 2010), s. 33–56.

Kiedy po raz pierwszy próbowali pokazać bezwzględne poziomy wysokości tonu, europejscy muzycy użyli pojedynczej linii przechodzącej przez niektóre znaki poprzedników nut, aby przedstawić konkretny ton. Najwcześniejszy „klucz” oznaczał mi-fa półton (jedyny, jeśli weźmie się pod uwagę, że oktawy zaczynają się od nowa w C, a nie są połączone z B poniżej). Po nim nastąpiły inne linie (i klucze). Znaki użyte w kluczach (F, C, G) są w zasadzie historycznym przypadkiem (w sensie losowego zdarzenia), chociaż oznaczenie półtonu dało rację. Można by się domyślać, że były to słowa muzyczne zapisane przy użyciu futharku, znaki klucza mogły wyglądać inaczej.

Klucz pochodzi od rdzenia dla słowa kluczowego (urządzenie do obracania zamka, a nie wyspy), jak w „klucz” do układanki.

Prawdopodobnie jest to jakieś nieporozumienie: chociaż klucze zostały nazwane zgodnie z ich wyglądem, dziś jest to dalekie od posłuszeństwa. Nuta, po której zostali nazwani, nie ma specjalnego znaczenia dla tego klucza.

Jest to tylko wskaźnik, w którym należy umieścić charakterystyczną cechę klucza (w przypadku klucza G i F wewnętrzny środek klucza spirala, w przypadku klucza C jego „nos”). Okazało się, że nazwa jest na tyle zwięzła, że ​​nawiązuje do kształtu klucza i tak została. Zauważ, że tylko klucz C utrzymywał zmienną pozycję do dzisiaj, dlatego potrzebne były dodatkowe nazwy, takie jak klucz tenorowy (klucz C znajdujący się w drugiej linii licząc od góry do dołu).

Klucze i odpowiadające im umiejscowienie tonu mają swoje historyczne pochodzenie związane z zakresami głosów i instrumentów oraz związanymi z nimi problemami z zapisywaniem dźwięków muzycznych. W szczególności, wychodząc od zakresów „typowych” głosów ludzkich, układ odniesienia opierał się na zakresach (basów, tenorów, altów i sopranów), które uznano za „normalne” dla zachodniej muzyki artystycznej i jej poprzedników. Celem umieszczenia klucza jest zapewnienie przesuwanego okna, które zapewnia, że ​​„większość” nut (wysokości) danego utworu muzycznego i partii (bas, tenor itp.) Trafi na pięciolinię, a nie powyżej. lub poniżej na liniach księgi głównej. Powodem jest to, że wyciągi na łatach są łatwiejsze do odczytania i zlokalizowania niż te, które kończą się na wierszach księgi powyżej lub poniżej. To takie proste, tak naprawdę tylko mechaniczny artefakt narzuconego systemu notacji.

Weź pod uwagę, że gdyby była tylko jedna pięciolinia dla wszystkich muzyków i instrumentów, z absolutnie ustawionymi wszystkimi wysokościami dźwięków, potrzeba bardzo dużo papieru, aby wypisać części, a większość tego papieru (w pionie) byłaby „pozbawioną” zmarnowaną przestrzenią, bez niczego poza pustymi wierszami i spacjami z pięciolinii, bez notatek. Klucze (i ściśle związana z nimi sytuacja, w której instrumenty są wbijane w określone „klawisze”) są tak naprawdę tylko mechanizmem rozwiązania tego problemu notacji. Nie musimy robić z tego konkursu, ale z wyjątkiem kluczy C używanych w niektórych stosunkowo ograniczonych sytuacjach, można powiedzieć, że system instrumentów uderzanych w określone klawisze był znacznie bardziej „udaną” próbą rozwiązania, ponieważ utrzymuje się do dziś, podczas gdy użycie kluczy innych niż wysokie lub basowe spadło, zauważając, że przytłaczająca większość całej dzisiejszej muzyki jest zapisywana na kluczach wysokich lub basowych (lub ich kombinacji).

Istnieje wiele przykładów instrumentów, które na przestrzeni lat zmieniały się od personelu do personelu. Johnny Smith stosował metodę gitarową w latach 50. i 60., w której gitarzyści czytali pięciolinię (tak samo jak fortepian), podczas gdy obecni gitarzyści czytali klucz wiolinowy, mimo że instrument transponuje o 1 oktawę w dół od miejsca, w którym jest zapisany, podobnie jak saksofon tenorowy , który jest transpozycją w dół dziewiątej wielkiej (stąd saksofon tenorowy Bb). Róg barytonowy (Euphonium) i puzon tenorowy mogą mieć zarówno partie zapisane w kluczu wiolinowym Bb, jak i transponowane w dół o dziewiątej tonacji lub mogą czytać klucz basowy w aktualnym tonie (w C), a jeśli grasz na tych instrumentach, jesteś gotowy na z którymkolwiek.

Cechą wyróżniającą G, F i C jest to, że są to klawisze w środku systemu: C nie ma spłaszczeń ani ostrych krawędzi, F ma jedno spłaszczenie, G ma jeden ostry. Jako takie były najbardziej naturalnymi nutami do wskazania.

Bach, słynny kompozytor, zapoczątkował naszą obecną formę notacji. Jest klucz wiolinowy (wspomniany klucz „G”), klucz podstawowy (klucz „F”) i klucz ruchomy, którym może być tenor, alt lub cokolwiek innego. Do niedawna było więcej kluczy. Dla śpiewaków istniały cztery różne zakresy; sopran, mezzo, tenor i bas. „Grand”, czyli wielka pięciolinia, składająca się z jedenastu linijek, zawiera klucz G i F.

Przyczyną, dla której przetrwały do ​​dnia dzisiejszego, jest to, że obsługują skale większości instrumentów. Mimo to istnieje wiele instrumentów wykorzystujących ruchomy „klucz C”. Klucz tenorowy jest używany w wyższych zakresach fagotu, wiolonczeli, eufonium, kontrabasu i puzonu. Altówka używa klucza „altowego”. Istnieje nawet klucz „sub-base”.

Jeśli chodzi o historię muzyki, youtube obecnie udostępnia „Howard Goodall's Story of Music”. To sześcioczęściowy dokument, który sięga od czasów rzymskich, ukazując początki notatek i skal, aż do współczesności.

Ponadto, jeśli chodzi o klasykę notacji i treningu słuchu, książka George'a A. Wedge'a: Kształcenie słuchu i śpiewu wzrokowego zastosowane w elementarnej teorii muzyki, praktyczny i skoordynowany kurs dla szkół i prywatnych studiów „jest darmowy online i bardzo niedrogi w Amazon. Przejdź do https://archive.org/details/eartrainingsight00wedgiala, aby zobaczyć jego podgląd.

Mam nadzieję, że to pomogło. Powodzenia ze wszystkim. B'H.