Osobiście powiedziałbym, że chodzi głównie o nauczanie muzyki. Głównym wyjątkiem jest głos; wszystko, co musisz zrobić, to posłuchać, powiedzmy, Pavarottiego i Franka Sinatry, aby dostrzec różnicę. Oczywiście każdy z nich dąży do innego brzmienia. Śpiew operowy nie wykorzystuje mikrofonu i podkreśla naturalną głośność. Dźwięk jest również stylizowany z dużą dawką vibrato.

Co ciekawe, jeśli posłuchasz 100-letnich nagrań Caruso, zauważysz, że jego użycie vibrato nie jest tak spójne, jak w przypadku nowocześniejszych śpiewaków operowych. Zwykle używał go głównie podczas uderzania wysokich i głośnych nut. Sugeruje to możliwość, że różnica między stylami popularnymi i operowymi stała się bardziej rozbieżna w XX wieku.

W przypadku innych instrumentów jest to również kwestia wyboru innego rodzaju brzmienia. „Klasyczny” fortepian ma 300 lat i posiada szeroką gamę dźwięków i technik. Na przykład, muzyka Mozarta w znacznie mniejszym stopniu wykorzystuje pedał sustain niż muzyka Debussy'ego. Tak samo jak prawie cały Jazz, jeśli o to chodzi. Posłuchaj Arta Tatuma, zwróć uwagę na lewą rękę, a zobaczysz, że jest bardzo mało pedałowania. Być może zauważysz również, że wszystkie jego szybkie przebiegi mają rodzaj oderwanego, non legato dźwięku, co oznacza, że ​​każda mała nuta ma jeszcze mniejszą przestrzeń ciszy między nią a następną.

Powodem, dla którego popularni muzycy często wspominają, że są „klasycznie wyszkoleni”, jest przekazanie, że mają „kotlety”, co oznacza, że ​​mają solidne podstawy techniczne i teoretyczne. W muzyce klasycznej ciężko jest zaimprowizować bardzo daleko; to trochę tak, jakbyś był dzieckiem i siedziałeś dookoła udając, że czytasz, a twoja starsza siostra zawołała cię i powiedziała, że ​​tylko patrzysz na zdjęcia i zmyślasz. (Cóż, w każdym razie przydarzyło mi się to, gdy byłem dzieckiem.)

Myślę, że podejście „klasyczne” jest o wiele bardziej „właściwe”, ponieważ w kropkach t-si przecina i-s. Dbałość o zapisany szczegół jest bardzo ważna. Przystąp do dowolnej muzyki granej na egzaminie „klasycznym”. Każdej nucie należy nadać dokładny czas, należy podążać za dynamiką itp. Chociaż z pewnością nie ma w tej koncepcji nic złego, sprawia, że ​​każde wykonanie danego utworu jest bardzo podobne.

Podejście „współczesne” jest bardziej spersonalizować każdą sztukę. Tak jak w przypadku, używaj muzyki jako wskazówek, a nie schematu. Można zinterpretować to, co napisał kompozytor na swój sposób, styl, itp. Zamiast mówić „tego właśnie chciał”, to bardziej „może nie pomyślał, żeby zrobić to w ten sposób. Spróbujmy. ”

Teoria nadal odgrywa bardzo ważną rolę w każdym z nich, chociaż nieco inne czasy lub harmonie będą zwykle wymagały przestrzegania pewnych zasad. Oczywiście czasami melodie są pchane i ciągnięte, więc bardzo, że stają się nierozpoznawalne, ale to już inna historia ...

Z jakiegoś powodu nie można zostawić komentarzy, ale w moim pierwszym akapicie próbowałem wskazać, że dla kompozytorów klasycznych, którzy chcieli ich utwory brzmiały tak samo, jak napisali, musieli przekazać graczowi jak najwięcej informacji, a jeśli tego wszystkiego się trzymano, to każde wykonanie powinno być bardzo podobne.