Zdecydowanie powinieneś zacząć od rytmu.

Dla początkującego jest to jedna z najcenniejszych rzeczy: zrozumienie, że muzyka to przede wszystkim rytm. Piosenka może istnieć bez gitarowego solo, ale zdecydowanie nie może istnieć bez solidnej linii rytmicznej.

Inną kwestią dla początkujących gitarzystów jest to, że rzadko mają z kim grać. Granie solo bez żadnego wsparcia nie jest zbyt zabawne, podczas gdy pojedyncza sekcja rytmiczna może stworzyć całą, w pełni brzmiącą piosenkę.

Nawet jeśli twoim celem jest zostanie świetnym gitarzystą prowadzącym, dobra znajomość gitary rytmicznej da ci doskonały sens i zrozumienie, jak działają linie solo. Poczujesz, kiedy zbliża się zmiana akordu i kiedy nadejdzie czas na zmianę trybu. Twoja główna gra może być tak dobra, jak Twoja gra rytmiczna.

I na koniec cytat jednego ze słynnych nauczycieli gry na gitarze:

Solo trwa tylko 10 sekund piosenki. Jeśli żądło złamie się na twojej gitarze, możesz wykorzystać te 10 sekund, aby złapać następną i pomyślnie dokończyć utwór.

Pomogłem kilku osobom odnaleźć się na gitarze. Generalnie odkryłem, że nowicjusze często potrzebują czegoś, co utrzyma ich na przysłowiowym haczyku; więc lepiej jest znaleźć coś, co już lubią i czego słuchają, czego realnie mogą się szybko nauczyć. Czy to rytm, czy nie jest to takie ważne.

Każda nowa, w pełni uformowana melodia, którą mogą odtworzyć i rozpoznać jako melodię, trzyma ucznia w napięciu i chce więcej. Im dłuższa i bardziej monotonna droga do pierwszych „zwycięstw”, tym większe prawdopodobieństwo, że się znudzą i znajdą inne hobby.

Kolejną rzeczą, jaką odkryłem, jest to, że ludzie są w stanie lepiej tolerować fretting akordów po tym, jak ich palce zobaczyły jakieś fretwork typu gamy; co w pewnym stopniu prowadzi do rozgrzania rąk przed naciskiem akordów.

Generalnie zaczynałbym kogoś od 12 bluesa w E, z kilkoma małymi zagrywkami w otwartej skali pentatonicznej E. Dzieje się tak, ponieważ 12 taktów jest wspólnym motywem muzycznym nawet w wielu stylach; i dość trudno jest znaleźć kogoś, kto nie może się z nim identyfikować w taki czy inny sposób. Jest również bardzo plastyczny i rozciągliwy; możesz na nim budować, tak że uczeń bardzo szybko jammuje z tobą, nigdy nie widziałem nikogo, kto by całkowicie z tego zrezygnował po tym, jak zaszedłem wystarczająco daleko, aby móc jamować. Nawet jeśli nie jest grany w stylu bluesowym, nadal działa. Hey Joe (Hendrix) jest do tego dobry, ludzie uwielbiają fakt, że mogą zagrać to intro w zasadzie od razu.

Nie polecałbym jednak bluesa każdemu jako punkt wyjścia, ale musisz zapytaj tę osobę i zdecyduj, co dalej robić.

Osobiście uważam, że rytm jest właściwą drogą, ponieważ do udanej improwizacji potrzebny jest mocny fundament harmoniczny.

ALE to nie znaczy, że nie możecie ich razem ćwiczyć! Naucz się rytmu do podkładu, a następnie spróbuj zagrać nad nim przewagę! Skoncentruj się tylko na rytmie, aby nauczyć się grać ze zmianami zamiast przeciwko (co nie jest straszne, ale wymaga znacznie większego talentu, aby to zadziałało).

Powodem, dla którego rytm jest lepszy, jest to, że stanowi podstawę za znajomość „właściwych” nut do solówki. Kiedy grasz solo, nie wybierasz przypadkowo nut ze skali lub szyi. Grasz melodię, która musi pasować do zmian (nie zawsze (zwykle zależy to od stylu) musi, ale generalnie brzmi lepiej, kiedy tak jest).

Jazz i Country są prawie wyłącznie oparte na użycie „skali akordów”, w której akord jest podstawą do wyboru melodii. Jeśli zaczniesz najpierw uczyć się skal, tak jak ja, możesz zagrać miliard nut i zrobić dobre zagrywki, ale trudniej będzie dopasować te zagrywki do odpowiedniego akordu. Za bardzo będziesz podkreślać nuty nieakordowe i chociaż czasami może to brzmieć fajnie, generalnie bardziej niż nie brzmi to zbyt przypadkowo i / lub nie stylistycznie.

Kiedy nauczysz się rytmu, rozwiniesz to szybciej i skup swoje myślenie wokół niej. Jeśli chodzi o grę solo, nie jest to dużo trudniejsze (przynajmniej dla niektórych osób). Chodzi o to, że „prowadzenie” w stylu country i jazzie polega bardziej na graniu dźwięków akordów niż skal. Więc kiedy już dobrze znasz akordy, po prostu je grasz i uczysz się małych sztuczek, aby używać bardziej "melodyjnych", jak (Hendrix robił to dużo i możesz się od niego wiele nauczyć).

Generalnie chcesz też postrzegać skale jako należące do akordów, a nie na odwrót. To pomaga wiedzieć, które skale pasują do jakich akordów. Kiedy uczysz się tego na odwrót, po prostu widzisz skalę i tonację bez połączenia z chwilowym akordem i może być trudno przyzwyczaić się do myślenia o tym w inny sposób.

Oznacza to, że generalnie nie jest to preferowane (Chociaż jest łatwiej) myśleć w kategoriach skal zamiast akordów. Będziesz brzmiał lepiej i bardziej, jakbyś wiedział, co robisz, myśląc w kategoriach akordów, ponieważ zawsze będziesz pasował do rytmu. Czemu? Ponieważ zasadniczo grasz rytm. Jeśli po prostu grasz rytm, nie możesz się mylić. Jeśli jednak myślisz w kategoriach skal, masz o wiele więcej nut do wyboru i jest większe prawdopodobieństwo, że popełnisz błąd.

W Jazz i Country są 4 nuty nad każdym akordem, które są najważniejsze. W rzeczywistości 2, jeśli są one ogólnie uważane za „kluczowe” notatki. W jazzie jest to 3. i 7. miejsce, aw country to korzeń i 7. (blues też).

Skala ma zwykle od 5 do 7 notatek. Jeśli myślisz w kategoriach skal, najprawdopodobniej nie skupiasz się na tych ważniejszych tonach, ponieważ postrzegasz skalę jako po prostu zbiór notatek. Jeśli widzisz akordy w skalach i widzisz je, a skala zmienia się, gdy pojawia się harmonia, wtedy będziesz radzić sobie znacznie lepiej. Pomoże w tym uczenie się rytmu „najpierw”.

Ale jeśli nie nauczysz się swoich gam i nie skupisz się na solówce, możesz rozwinąć przeciwny problem, który opisałem powyżej. Za dużo widzieć akordy, a nie skale w nich. W tym przypadku twoje „solo” może brzmieć bardzo podobnie do rytmu, ponieważ nie jesteś w stanie dodać tonów nieakordowych, aby uczynić je bardziej interesującym i melodyjnym (melodia ma zwykle dużo ruchów krokowych).

Prawie każda melodia palcowania opiera się na tych zasadach. Dzieje się tak, ponieważ muszą jednocześnie zapewniać harmonię, rytm i melodię. Kiedy nauczysz się tych piosenek, od razu zobaczysz, jak to robią. Zwykle grają akordy i używają prawej ręki do wybrania melodii z akordu i używają palców lewej ręki, aby dodać melodyczne nuty, których nie ma w akordzie, kiedy mogą.

Z drugiej strony, jeśli rytm jest bardzo łatwe dla Ciebie, a postępy w nauce i takie są łatwe, więc może skupienie się na skalach będzie bardziej korzystne. Ostatecznym celem nie jest myślenie o akordach i skalach, ale pozwolić muzyce płynąć bez przeszkód przez świadome myślenie. Jedną rzeczą, której nie chcesz robić, jest zgubienie się w progresji i po prostu wędrowanie we właściwej skali. Jeśli masz mocny rytm, bardziej prawdopodobne jest, że po prostu zaczniesz go grać i prawdopodobnie dodasz jakieś proste wypełnienie akordowe, które prawdopodobnie będzie brzmiało dobrze i nikt nie będzie wiedział, że się zgubiłeś, ponieważ pasuje dokładnie do harmonii.

Gdybym dopiero zaczynał, wydałbym około 80% na rytm i 20% na prowadzenie. Kiedy byłem w stanie zagrać prawie każdy rytm i proste wypełnienia akordowe (granie nut nie w akordzie w melodyjny sposób, podczas gdy wciąż grałem akord), zmieniłem go na około 65% rytmu. Następnie pracowałbym nad tym, aby mój rytm brzmiał tak dobrze, jak to tylko możliwe, a w pewnym momencie później doprowadziłbym go do około 50/50 i prawdopodobnie zacząłem bardziej skupiać się na solówce.

Myślę, że umiejętność dobrego grania rytmu jest niezwykle ważna. Dobry gracz rytmiczny ma dużo więcej koncertów i prawie w każdym utworze, który grasz, będziesz obejmował część rytmiczną przez większość miękkich partii, od czasu do czasu występując, by zagrać główną część.

W każdym zespole, w którym byłem, country, jazz czy rock, koncentruję się na dobrych partiach rytmicznych, które są ściśle związane z perkusistą, są interesujące rytmicznie i dodają coś, co wspiera melodię. Byłem liderem w prawie każdym zespole, w którym grałem, ale uważam, że ważniejsze są partie rytmiczne, które gram.

Dobry rytmista musi tam być, ale prawie niewidoczny. Rola, którą grają, pomaga utrzymać piosenkę, utrzymuje ją w ruchu, wiąże razem bas, perkusję i klawisze, a kiedy główny gracz zaczyna grać, karmi ich pomysłami, jeśli improwizują.

Moim ulubionym muzykiem rytmicznym jest Robbie McIntosh z The Pretenders, który pracował z Paulem McCartneyem i Johnem Mayerem. Ten człowiek jest niesamowity; Jego partie gitarowe są absolutnie piękne i doskonale zagrane. Potrafi grać lidera, ale wie, jak się cofać i grać rytm, nie szkodząc, i do tego powinniśmy dążyć.

Dlatego zawsze radzę wiedzieć, jak dobrze grać rytm i najpierw się go nauczyć. Gdy już poznasz akordy i schematy rytmiczne, łatwo będzie je zbudować i wkroczyć do gry lidera.

Kiedyś uważałem, że rytm i akordy to dla większości ludzi najlepszy sposób na rozpoczęcie. Tworzą też bardzo ważny fundament. Ale po nauczeniu setek uczniów, jak grać na gitarze, zdałem sobie sprawę, że najważniejsze jest nauczenie się tego, czego możesz się teraz nauczyć .

Oznacza to, że nauka kilka prostych akordów i sposób ich rytmicznego grania jest ważny. Ale potem następnym krokiem może nie być nauczenie się „akordów otwartego ogniska”, ale zamiast tego robienie tego, co jest w twoim zasięgu. A to może być bardzo dobre, jeśli nauczysz się kilku prostych partii głównych, takich jak chwytliwe, ale proste wprowadzenie do „I'm Yours” Jasona Mraza, a nawet hokey, ale zapadająca w pamięć melodia „Twinkle-Twinkle Little Star”. Kiedy możesz sprostać tym wyzwaniom, zdasz sobie sprawę, że granie prostych melodii na gitarze nie jest wcale takie trudne.

Tak czy inaczej, nie zgadzam się z poglądem, że gitarę najlepiej podzielić na funkcje „rytmu” i „prowadzenia”, a także z ideą, że jednej z nich należy w jakiś sposób „nauczyć się”, zanim się nad tym zastanowić do drugiego.

Większość początkujących uczniów, których widzę, uczy się zarówno prostych akordów, jak i prostych w ciągu 1-2 tygodni i zaczynają je rozszerzać odpowiednio na proste partie rytmiczne i proste partie prowadzące.

W ciągu około 4 tygodni większość moich uczniów może czytać wiele prostych melodii, postępując zgodnie ze wzorami skal, których się nauczyli, i zagrać prosty akompaniament z blokami akordów w kilku najpopularniejszych sekwencjach akordów, takich jak G, C D. Uważam, że ważne jest, aby skoncentrować się na określonych kluczowych obszarach do poprawy, ale ważne jest również, aby nie zaniedbywać niektórych aspektów swojej gry i wpaść w rutynę. Jeśli nauczysz się mnóstwa akordów i potrafisz grać wiele interesujących rytmów, ale nie możesz zrobić nic więcej, prawdopodobnie się znudzisz. Co gorsza, kiedy zdasz sobie sprawę, że zaczynasz wszystko od początku, aby nauczyć się prowadzenia, może to być bardzo zniechęcające, jeśli jesteś już naprawdę dobry w akordach. A to może doprowadzić do zaniedbania praktyki prowadzenia i powrotu do grania akordów, w których jesteś dobry. Wielu, wielu, wielu gitarzystów (większość?) Wydaje się utknąć, gdy znajdą swoją „strefę komfortu”, chyba że istnieje jakiś ważny powód, dla którego powinni ponownie opuścić swoją strefę komfortu.

Z mojego doświadczenia jako nauczyciela wynika, że ​​uczeń, który nie jest zainteresowany zrozumieniem struktury utworu, nigdy nie zagra niczego interesującego jako „gitarzysta prowadzący”, az mojego doświadczenia jako muzyk „gitarzysta rytmiczny”, który nie może wymyślić głównej roli, to prawdopodobnie nie jest ktoś, kto zagra cokolwiek, co chciałbyś usłyszeć jako akompaniator, więc myślę, że w pytaniu jest wbudowany duży czerwony śledź.

Krótko mówiąc, nie mogę sobie wyobrazić próby nauczenia „prowadzenia” w odróżnieniu od gry „rytmicznej”, tak samo jak nie potrafię sobie wyobrazić próby nauczenia kogoś mnożenia jako czegoś innego niż dzielenie.

Mniej krótko: kiedy uczyłem, zwykle zaczynałem od ścieżki równoległej, która obejmowała rozwijanie siły palców do grania podstawowych otwartych akordów (które początkowo były podawane jako arbitralne wzory), a także uczenie się podstaw wielka skala i jak znaleźć wagę na podstrunnicy. To oczywiście doprowadziło do odkrycia, że ​​akordy i gamy są ze sobą powiązane, a uczniowie zwykle w trakcie swoich ćwiczeń zdawali sobie sprawę, że mogą poruszać zarówno skalami, jak i akordami, co zazwyczaj sprawiało im wielką radość. Oczywiście kontynuowalibyśmy w ten sposób, ucząc nowych pomysłów i rozwijając zarówno koncepcje skalarne, jak i akordowe, tak jakby były dwiema stronami tego samego medalu, którymi oczywiście są.

Prawdą jest, że gitara rytmiczna stanowi tło każdej muzyki, ale moim zdaniem najpierw nauczysz się raczkować, zanim nauczysz się chodzić. Pamiętaj, że akord ma lekcje, które wywodzą się z podstaw lekcji gry na gitarze. W takim przypadku potrzebujesz podstaw, aby położyć fundamenty rytmu.

Mądrzy ewolucyjnie ludzie stworzyli melodię przed harmonią i zdecydowanie łatwiej jest grać proste melodie przed złożeniem sekwencji akordów bez tego irytującego zatrzymywania się między zmianami akordów. czym w ogóle są akordy? akordy mają być połączeniem różnych głosów (melodii). Wielu gitarzystów nigdy nie widzi tego obrazu, a mimo to szczęśliwie wybijają bloki i kawałki akordów. Oczywiście nie ma nic złego w radosnym brzdąkaniu, ale doceńmy kontekst.