Kluczem jest bardzo dużo miejsca, w którym piosenka wydaje się być spokojna; w domu. Bardziej prawdopodobne jest, że pojawi się w ostatnim akordzie, który ostatecznie, w większości piosenek, kończy się bezpiecznie w domu.

Jednak kluczem, w którym go wpiszesz, może być dowolny 12 kierunków lub 12 nieletnich. Jeśli jest śpiewany, ten ton powinien być taki, w którym twój głos brzmi dobrze - nie za wysoko ani za nisko, z niewielkim naciskiem, jeśli piosenka tego wymaga. Jednak ktoś inny może łatwo być nieszczęśliwy w tym kluczu i potrzebować zmiany, aby dopasować go do swojego głosu. Niektóre utwory muszą mieć określoną tonację, aby akordy brzmiały autentycznie na gitarze, co jest szczególnym przypadkiem, ale to inna historia.

Podczas pisania piosenki (mam na myśli „pisanie”, jak tworzenie) , klucz nie musi być najważniejszy. Nie ma też czasu. Ma to znaczenie, gdy piosenka musi zostać napisana W DÓŁ. Czasami możesz nawet napisać piosenkę i nie zdawać sobie sprawy z jej czasu. dopóki. Nieważne. Jesteś zbyt zajęty byciem kreatywnym!

Jeśli jest to piosenka, która przechodzi ci przez głowę, jest albo major, albo minor. Najpierw to ustal, a potem zagraj akord. Dowolny akord i stamtąd. Kiedy skończysz, spójrz na używaną pulę akordów i odnieś ją do tonacji. Na przykład, jeśli jest głównie G, D i A, prawdopodobnie będzie to D-dur. D = I, G = IV i A = V, przy czym D daje najbardziej stabilne odczucie, na którym spocznie.

Kiedy zaczynasz pisać piosenkę, możesz mieć na myśli klucz lub nie. Powody, dla których możesz mieć na uwadze klucz, gdy zaczynasz pisać:

• Piszesz utwór muzyczny, aby pasował do sekwencji z innym utworem muzycznym (np. Chcesz, aby działał jako kontynuacja w miksie DJ-a)
• Wiesz, że pewien piosenkarz preferuje określone klawisze
• Piszesz dla instrumentu, który gra tylko w określonej tonacji.

Każdy z tych przypadków generuje własną odpowiedź na pytanie „Skąd mam wiedzieć, jaki klucz wpisać?”.

Jak mówi Tim , chyba jednak bardziej powszechne jest to, że najpierw pisze się utwór, a dopiero później, ewentualnie trzeba pomyśleć o tym, w jakim kluczu się znajduje (a nawet wtedy, jak też mówi, tylko wtedy, gdy trzeba to zanotować w notacji standardowej lub przeanalizować z jakiegoś innego powodu).

W tej odpowiedzi powiedziałem: „Sposób, w jaki powszechnie naucza się teorii muzyki, ma tendencję do mieszania autentycznych podstaw muzycznych, kultury - specyficzna terminologia i notacja oraz specyficzne dla stylu porady muzyczne w jednym dużym garnku ”. Myślę, że to jeden z takich przypadków!

Kiedy mówimy, że utwór jest „a-moll”, oznacza to tylko, że:

• Środek tonalny jest „A” dla jakiejś części utworu
• Tonacja utworu odpowiada nieco (choć niekoniecznie całkowicie) naturalnej skali molowej.

Można by pomyśleć że „jakaś część utworu” i „w pewnym stopniu odpowiada” brzmią bardzo niepewnie i żałośnie. I miałbyś rację! Rzeczywistość jest taka, że ​​chociaż utwór zatytułowany (powiedzmy) Passacaglia i Fuga c-moll wydaje się bardzo dumny ze swojej tonacji, wyraźnie deklarując ją w tytule, „klucz” nie jest podstawową koncepcją muzyczną - odnosi się po prostu do szczególnej praktyczności zapisywania lub opisywania utworu w określony sposób.

Here’s a lesson aimed at singers that is also applicable for composers and arrangers:

The primary concern for key selection is matching the range and tessitura of your vocalist or soloist. Typically this depends both on the overall range, and the ranges where the heaviest or most difficult passages lie. Most passages should lie solidly within chest voice or head voice and not ride the passagio in between. Professional singers will be more comfortable with using both registers; casual singers may only know how to use chest voice. This will affect both the key and overall range of your melodies. There are similar concerns, but different ranges, for solo instruments like guitar, violin, or clarinet.

The secondary concern is making the music readable and comfortable for your accompanists. Jazz musicians and wind bands tend to like flat keys (F, B♭, E♭, A♭ major). String ensembles lean toward sharp keys (G, D, A major). Guitarists prefer a few specific keys depending on exactly how they tune (mostly sharp keys but not D major unless you tune down). Pianists are idiosyncratic but sometimes prefer more neutral keys (C, F, B♭, G, D major) for ease of reading and play. These rules of thumb are partly based on the instruments’ ranges and partly on the complexity of reading and fingering accidentals (which is different for transposing instruments like woodwinds and horns).

In addition to the great answers here, I did want to point out one time where key does matter. Not every key sounds the same, so composers will often gravitate towards a particular key to get a particular feel. For nearly every modern instrument, the pitches are chosen according to what is called "equal temperament." This set of pitches let an instrument play in any key, but it turns out that you can't always get it quite perfect. Some keys will naturally have ever so slightly different harmonics than others. These different harmonics add colors to the music that a skilled composer can take advantage of.

The most evident of these appears in any music with a piano. One of the things you want when you tune any instrument is for each note to be twice the frequency of the note one octave below it. However, in practice, real pianos have a slightly inharmonic behavior. The first overtone of a piano is not quite exactly double its fundamental frequency. Accordingly, one tends to stretch the octaves to get them to sound right. This stretching effect causes pianos to have slightly different sounds in different keys, because the ratios between the notes are not quite a perfect logarithmic scale.

Over time, composers learn that certain keys lend themselves to particular feelings that they wish to bring forth. Once they have their opinions, they can often pick a key to compose in based on the feeling they want, rather than having to hunt for the correct key.

As for what a key "is," it's an artifact of what humans have generally found to sound good. Remember, our ears were not designed to listen to music. They were designed to listen to the environment, letting us know where water is or where predators might be. Much of that hardware is still present in our modern day ear, and it leads us to like certain sounds and dislike others. What we have found is that the ear likes some concept of a "root" frequency and the harmonies are built around that note. From there, we find that many cultures have their opinions of what should happen within those harmonies. Classical Western music, for example, has a very clear set of chord progressions that are favored above others because it resonates with what the listener expects (culturally, and with respect to the hardware between our ears).

That being said, these concepts are pliable. Never assume your key or chord progression must be set in stone. Compare classical with modern music and you'll find that modern music contains many more discordant sounds. The modern mind appreciates that discord more than the mind of a 1700's noble did, so naturally the sound has become more populated with them. Modern music still has a concept of a key, but it is more willing to explore what happens when you leave that key behind.

Jeśli jesteś początkującym, prawdopodobnie piszesz dla jednego instrumentu lub głosu. Wpisz tonację, w której zakres utworu będzie dobrze pasował do zakresu tego instrumentu (lub głosu). Najwyższa nota? Najniższa? Następnie, jeśli masz inny wybór, znajdź klucz pasujący do instrumentu. Na przykład wygodnie „pod ręką” na fortepian lub odpowiednik na inny instrument.