Pytanie:
Jak skutecznie uczyć teorii uczniów?
endorph
2016-12-02 05:26:28 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Dodatkowe informacje: Pomyślałem, że warto rozszerzyć niedawną dyskusję o teorii muzyki na temat nauczania teorii.

Myślę, że nasze domyślne podejście do nauczania teorii jest czasami zbyt oderwane od muzyki, którą gramy. Uważam, że jest to czynnik przyczyniający się do poglądu, że teoria muzyki to zbiór bezużytecznych reguł wymyślonych przez ludzi, którzy w rzeczywistości nie potrafią odtwarzać muzyki ( zastrzeżenie: zamierzone uogólnienia i stereotypy ).

Jak więc możemy dobrze uczyć teorii? Aby uściślić to pytanie, myślę o dzieciach w wieku szkolnym, a nie o klasach uniwersyteckich. Lubią grać muzykę, ale nie mają palącego pragnienia poznania „nudnej” teorii. Jak możemy im pokazać, że teoria jest użyteczna i może uczynić muzykę przyjemniejszą? Jakiej teorii powinniśmy właściwie nauczać? Jak sprawimy, by było to możliwe do odniesienia i zrozumiałe?


Jako przykład, oto arkusz teoretyczny dotyczący doskonałych kadencji. Nie wydaje się, żeby było coś strasznie złego; wyjaśnia, czym jest kadencja, podaje przykład od Ody do Radości i prosi ucznia o napisanie kilku kadencji. Ale mam to dokuczliwe uczucie, że uczeń wypełni to, zrobi to w 100% dobrze, a potem pomyślę „Cóż, to było bezużyteczne. Teraz pójdę zagrać w Let it Go i zapomnę wszystko, co kiedykolwiek wiedziałem o kadencjach . ” Martwię się, że ten styl nauczania przyczynia się do dewaluacji teorii.

Uwielbiam to pytanie. Dużo o tym myślałem. Chociaż jestem niedoświadczony, tak naprawdę mam „ucznia” i zastanawiałem się, jak wyjaśnić niektóre z tych pojęć w sposób, który sprawiłby, że zadziałała. Będę miał oko na ten wątek.
Dziękuję za opublikowanie tego pytania. Oczywiście pojawią się osobiste opinie, ale jest to zbyt prowokujące do myślenia - i przyniesie kilka inspirujących odpowiedzi - aby je wyrzucić. Mam nadzieję!
Dobrze jest uświadomić uczniowi, że teoria muzyki, że teoria muzyki to tylko sposób mówienia o muzyce. Daje możliwość odpowiadania (lub próby odpowiedzi) na pytania typu „dlaczego ta nuta brzmi źle?”, „Dlaczego ta sekcja wydaje się bardziej ekscytująca?”, „Dlaczego ta melodia jest tak chwytliwa”.
W twoim przykładzie nauczyciel mógłby zagrać „Let it Go” i zmienić niektóre kadencje dookoła i zobaczyć, jak uczniowie o nich myślą: weź utwór, na którym zależy uczniowi i pokaż mu, co jest w nim interesujące z teorii widzenia.
Zawsze podkreślaj, że „Teoria opisuje, nie nakazuje”.
Siedem odpowiedzi:
#1
+14
topo Reinstate Monica
2016-12-02 06:55:16 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Naucz uczniów, jak tworzyć muzykę, która im się podoba. Podczas gdy doświadczeni muzycy często mają szerokie horyzonty, dostrzegają wartość i piękno w wielu rodzajach muzyki, młodsze dzieci są często przede wszystkim zainteresowane poznaniem rzeczy, które lubią. Czy możesz teraz przekonująco wyjaśnić strukturę piosenek na listach przebojów / w klubach / na telefonach swoich uczniów? Czy mógłbyś sam tworzyć taką muzykę? Jeśli nie, naucz się tego robić, zanim spróbujesz tego uczyć.

Przedstaw swoim uczniom świat muzyki - w zrównoważony sposób. Wspaniale jest poznać europejską muzykę artystyczną sprzed dwóch lub trzystu lat. Równie ważne jest poznanie tańca latynoskiego, arabskich skal i japońskiej muzyki ludowej. Poznanie barwy i rytmu jest tak samo ważne, jak nauka harmonii i melodii.

Przedstaw dzieciom jak najwięcej pojęć i pozwól im zdecydować, które z nich uznają za przydatne i do jakich chcą to zrobić.

Pomóż swoim uczniom zrozumieć, co reprezentują różne części teorii muzyki.

W szczególności powinni zrozumieć, jakie idee są ... .

  • Terminologia i notacja
    Będą one oferować sposoby powiązania i komunikowania pojęć muzycznych.
  • Zasady specyficzne dla stylu i wytyczne
    Fakt, że są one specyficzne dla stylu, należy zrozumieć.
  • Podstawowe pojęcia muzyczne
    Nie bój się wejść w nauka o stosunkach częstotliwości, szeregach harmonicznych, kształtach fal, psychoakustyce - a nawet ewolucji narządu słuchu. To jest coś, co zainspiruje Twoich najzdolniejszych uczniów!

Naucz swoich uczniów myśleć „teoretycznie” poza teorią, którą już znają. Możesz im zagrać jeden lub dwa utwory, które Twoim zdaniem mogą być bardzo nieznane, i poprosić ich, aby zapisali, jakie są według nich zasady muzyczne tego utworu lub stylu - a następnie zachęć ich do przestrzegania tych zasad, aby stworzyć nowy utwór ten styl. Myślenie teoretyczne może być najbardziej przydatne podczas robienia czegoś nowego.

W ogóle nie „ucz ich teorii” - daj im szansę doświadczenia muzyki, zainspiruj do myślenia o tym, zasiej ziarna wiedzy teoretycznej i pozwól jej rozwijać się i rosnąć organicznie.

#2
+11
user321
2016-12-03 20:40:35 UTC
view on stackexchange narkive permalink

Do teorii muzyki można podejść na dwa sposoby - jako teoretyk muzyki (który może grać, ale nie musi) lub jako praktyk muzyczny (czyli: muzyk ). Wymagania dotyczące wiedzy są oczywiście inne iw kontekście tego pytania skupię się głównie na perspektywie praktyka.

Zastanówmy się, jaka (jakaś) wiedza z teorii muzyki jest warta dla muzyka. Widzę co najmniej trzy powody, aby nauczyć się przynajmniej trochę teorii:

  1. Komunikacja z innymi muzykami,

  2. Zapoznanie się ze wzorami,

  3. Kreatywne skróty.

Przyjrzyjmy się każdemu z nich po kolei.

Komunikacja

Nadajmy mu nazwę, abyśmy mogli o nim porozmawiać.

(Mighty Mighty Bosstones na temat pochodzenia terminu skacore )

Jako muzycy musimy umieć rozmawiać z innymi muzykami o najdrobniejszych aspektach muzyki, a język codzienny nie zawsze jest odpowiedni. Oczywiście, w przeciwieństwie do pianissimo, możesz powiedzieć „zagraj to bardzo cicho”, ale w większości przypadków jedyną alternatywą dla standardowych terminów muzycznych, które oznaczają to, czego chcesz (na przykład „zagraj ten kawałek z wyczuciem 6/8”) jest faktycznie zademonstruj to, co próbujesz powiedzieć. Oczywiście preferowana jest możliwość wyrażenia potencjalnie złożonej koncepcji prostym terminem.

Ponieważ mówimy o nauczaniu, dwóch muzyków, którzy muszą się komunikować, to nauczyciel i uczeń. Jest oczywiście możliwe nauczenie kogoś wykonywania utworu muzycznego bez zajmowania się teorią w dowolnym momencie (po prostu poprzez zademonstrowanie wszystkich ruchów, które uczeń musi wykonać w kontekście wykonania), ale przebiegnie to znacznie szybciej, jeśli potrafisz komunikować się na poziomie koncepcyjnym. Abyśmy nie zapomnieli, takie podstawy, jak nazwy nut i notacja muzyczna są także częściami teorii muzyki.

Zapoznanie się ze wzorami

Możemy patrzeć na utwór jako długą serię nut i pauz, które prowadzą nas od początku do końca - a nawet nauczyć się grać, zapamiętując go jako taką, lub możemy spójrz na to jak na konstrukcję złożoną z mniejszych klocków. Co najważniejsze, te elementy konstrukcyjne pojawią się również w innej muzyce.

Jakiego rodzaju elementy konstrukcyjne? Gamy, akordy, arpeggia, sekwencje, wzory rytmiczne, standardowe formy, kadencje itp. Za każdym razem, gdy jesteśmy w stanie dostrzec coś, co już znamy w nieznanym nam utworze muzycznym, nasza praca staje się o wiele łatwiejsza. Zamiast analizować i uczyć się kolejno każdej nuty, możemy zamiast tego zastosować pojęcia wyższego poziomu, które są nam już znane i biegle.

Jednak aby zaznajomić się i biegle posługiwać się takimi „cegiełkami”, musimy najpierw uświadomić sobie, że one istnieją. Jedną z funkcji teorii muzyki jest identyfikowanie takich elementów składowych, nazywanie ich i badanie, jak do siebie pasują.

Kreatywne skróty

Wcześniej czy później może się okazać, że będziemy musieli stworzyć trochę muzyki, w przeciwieństwie do uczenia się tego, co napisał ktoś inny. Może to być tak skomplikowane, jak napisanie całego artykułu od zera, lub tak proste, jak „czy mógłbyś wymyślić część na ten fragment?”

Ponownie, można wykonać pracę metodą prób i błędów . Będzie to jednak szybsze i łatwiejsze, jeśli będziemy mieć pojęcie, co prawdopodobnie zadziała, a co nie - jeśli będziemy zaznajomieni z dostępnymi dla nas opcjami i ich brzmieniem.

Wiedza teorii muzyki pozwala nam zarówno zapoznać się z takimi opcjami, jak i nauczyć się systemu klasyfikacji, który ułatwia nam ich śledzenie.

Praktyczne podejście do nauczania teorii muzyki

Mając powyższe na uwadze, dwie rzeczy stają się oczywiste: że bardzo przydatne będzie dla ucznia poznanie przynajmniej odrobiny teorii muzyki; i że nauka teorii powinna być podporządkowana nauce praktyki muzycznej.

Innymi słowy, uczeń powinien przede wszystkim uczyć się wykonywania muzyki. Jednak gdy uczą się grać, powinni również stopniowo uczyć się, w co grają i jak to pasuje do innych rzeczy, których już się nauczyli.

Spróbujmy stworzyć listę najbardziej podstawowe pojęcia z teorii muzyki, których powinien się nauczyć każdy student:

  1. Solidna znajomość rytmu (w tym notacja rytmiczna) jest absolutną koniecznością dla każdego. Zawsze powtarzam, że nauka liczenia jest najważniejszą umiejętnością do opanowania jako muzyk.

Wspaniałą rzeczą w rytmie jest to, że jest to umiejętność, którą można ćwiczyć od pierwszego dnia, nawet jeśli Mechanika wydobywania dźwięku z instrumentu wciąż pozostaje głęboką, mroczną tajemnicą. W mojej praktyce nauczycielskiej zawsze zaczynałam moich początkujących uczniów od ćwiczeń klaskania, pozwalając im poczuć rytm bez konieczności zajmowania się skrzypiącymi ruchami gry na instrumencie.

  1. Podstawowe nazwy dźwięków, których się uczysz, powinny być nauczane przy najbliższej okazji, chociaż prawdopodobnie nie wcześniej niż wtedy, gdy uczeń zostanie po raz pierwszy wezwany do ich odtworzenia.

Uczniowie powinni poznawać nazwy nut, które grają (to banalne, wiem, ale niemniej ważne), akordy (szczególnie w przypadku instrumentów intensywnie wykorzystujących schematy, takich jak gitara), artykulacje i tak dalej (szczegóły zależą od instrumentu).

Przyczyna tego powinna być jasna: uczeń będzie musiał powtarzać te rzeczy w trakcie nauki. Nauczyciel potrzebuje zwięzłego sposobu na przekazanie uczniowi tego, co ma zagrać, a uczniowi dużo łatwiej jest myśleć w stylu „oto gram akord C-dur”, w przeciwieństwie do „Muszę to ułożyć palec tutaj i ten palec tutaj i ten palec tam i ... ”

Jest również prawdopodobne, że uczeń w pewnym momencie w przyszłości zacznie bawić się z innymi poza salą lekcyjną i tutaj umiejętność prowadzenia znaczących rozmów na temat tego, co ma być zagrane, będzie nieoceniona.

W odniesieniu do tego konkretnego zagadnienia należy zachęcać do nauczania odpowiedniej formy notacji muzycznej. Nie musi to być standardowa notacja muzyczna od początku, jeśli istnieje prostszy, powszechnie używany system (mam tu na myśli zwłaszcza tabulaturę, ponieważ oferuje ona jednoznaczny system notacji dla instrumentu, w którym ta sama nuta może być zagrana w sześciu w różnych miejscach lub więcej). Chodzi o to, aby uczeń mógł w jakiś sposób robić notatki z tego, co musi zagrać, gdy nie ma nauczyciela, który by im pokazał, i móc samodzielnie odkrywać zapisaną muzykę.

  • W miarę jak uczeń uczy się grać, powinien również opracować schemat mentalny, który pozwoli mu zrozumieć w co grają i jak to pasuje do tego, co już wiem.
  • W obliczu instrumentu mamy do czynienia z morzem muzycznych możliwości. Potrzebujemy sposobu na podzielenie ich na małe kawałki.

    Każdy instrument ma swój własny zestaw „sztuczek”, aby to ułatwić (na przykład klawiatura fortepianu pozwala „zobaczyć” nazwy dźwięków, z drugiej strony gitara ułatwia transpozycję muzyki do różnych klawiszy, poprzez przesunięcie schematów palcowania do różnych pozycji), więc szczegóły będą zależeć od tego, czego się uczy.

    Na drugim końcu spektrum są rzeczy uniwersalne dla wszystkich (lub większości) instrumentów: takie rzeczy jak forma muzyczna, tonalność, szablony rytmiczne.

    W kontekście takiej struktury możliwe jest wyodrębnienie pojęć wspólnych dla dużej liczby określonych elementów i ćwiczenie ich w izolacji. Jeśli wiemy, jak zagrać arpeggio C-dur, powiedzmy, możemy oprzeć się na tej wiedzy, ilekroć napotkamy ją w nieznanym dotąd utworze muzycznym. Możemy to ćwiczyć w różnych tonacjach, budując sprawność mechaniczną (czyli biegłość w ruchach potrzebnych do wykonania fragmentu muzycznego) i przygotowując się na czas, kiedy będziemy musieli grać to w kontekście muzycznym.

    Jednak we wszystkich przypadkach musimy najpierw zdać sobie sprawę, że istnieją takie metody niszczenia muzyki, zanim będziemy mogli wykorzystać je na naszą korzyść.

    Uwagi ogólne

    Jak poprzednio stwierdził, że dla praktyka muzyki gra powinna być najważniejsza. Koncepcje teoretyczne muszą być wprowadzone do obrazu tylko wtedy, gdy pojawiają się w muzyce, którą uczeń uczy się grać.

    Rytm trzeba będzie wprowadzić prawie od samego początku, nawet jeśli zaczniemy od czegoś takiego jak proste jak granie (lub klaskanie) ćwierćnutowych przy liczeniu „jeden-dwa-trzy-cztery”.

    Podobnie, ponieważ uczeń uczy się grać pojedyncze nuty lub akordy, powinniśmy wprowadzić nazwy, którymi odtąd będziemy się do nich odnosić. Umiejętność powiedzenia „teraz graj nutę B”, w przeciwieństwie do „graj ​​tam tym palcem”, jest tak ważna, że ​​nie warto o niej wspominać. Jeśli uczeń gra akordy, powinien wiedzieć, jak te akordy są nazywane - przy jednoczesnym graniu kilku nut zdolność „zrzucenia” dużej ilości informacji do jednej nazwy jest o wiele ważniejsza.

    Gdy uczeń opanuje podstawy i nauczy się grać kilka prostych utworów, możemy stopniowo wprowadzać koncepcje wyższego poziomu. Forma muzyczna to coś, o czym często się zapomina, gdy myślimy o teorii muzyki, ale jest ona kluczowa zarówno dla opanowania dłuższych i bardziej skomplikowanych utworów, jak i dość prostą koncepcją nawet dla początkującego. Pokazując, jak pozornie monolityczny utwór muzyczny można podzielić na powtarzające się i przeplatające „fragmenty”, pokazujemy uczniom, jak ułatwić sobie naukę nowego utworu.

    Kiedy uczeń zaczyna rozszerzać zakres tonacji, powinniśmy stopniowo wyjaśniać, jak działa koncepcja tonacji i jak różne części systemu tonalnego (gamy, akordy, kadencje) mogą być izolowane, ćwiczone i stosowany. Celem jest, aby uczeń spojrzał na utwór muzyczny i mniej myślał w kategoriach długich serii nut, ale raczej w kategoriach bloków muzycznych, które może dostrzec, zidentyfikować i umieć zagrać.

    Praktyka jest trwała, dlatego ważne jest, aby nadal wzmacniać te koncepcje w trakcie naszego nauczania. Student powinien uczyć się i ćwiczyć te elementy teorii muzyki, dopóki nie zostaną zakorzenione. Najłatwiej to zrobić, aby poprowadzić ucznia przez analizę muzyki, którą gra - zwłaszcza nowych utworów, gdy uczeń już dość dobrze zrozumie, czego został nauczony do tej pory. Pamiętaj, że celem jest ułatwienie uczniowi zastosowania rzeczy, które już znają i mogą grać w kontekście uczenia się nowej muzyki.

    Z punktu widzenia nauczyciela oznacza to, że powinniśmy podchodzić do naszych lekcji analitycznie jak je przygotowujemy. Powinniśmy mieć solidne wyobrażenie o koncepcjach teoretycznych obecnych w muzyce, której będziemy uczyć ucznia, i szukać sposobów, w jakie możemy je wykorzystać na korzyść ucznia.

    Czy utwór zawiera jakąś koncepcję, którą uczeń jest? zaznajomiony z? Zanotuj to i zwróć uwagę.

    Czy dzieli koncepcję z inną muzyką, którą uczeń już zna, a która ułatwiłaby i przyspieszyła naukę? Być może nadszedł czas, aby przedstawić koncepcję i pokazać uczniowi, jak jest stosowana.

    Czy wyposażyłeś już ucznia we własny zestaw narzędzi analitycznych? Świetny! Rozpocznij naukę nowej muzyki od spojrzenia na partyturę ze swoim uczniem i omówienia wszystkich miejsc, w których uczeń może zastosować swoje istniejące umiejętności.

    Jeśli chcemy, aby nasi uczniowie zabrali wiedzę z teorii muzyki, pomóc im w ich muzycznej praktyce, powinno być jasne, że musimy zbadać naszą własną. Jestem głęboko przekonany, że całe nauczanie jest również uczeniem się (wydaje się, że Schoenberg się z tym zgadza). Czy możemy wyjść poza nauczanie naszych uczniów, jak grać konkretny utwór, w kierunku budowania umiejętności i wiedzy, które pozwolą im grać różne rzeczy przy minimalnym nakładzie dodatkowej pracy? Jeśli nie, być może nadszedł czas, aby odświeżyć naszą teorię muzyki.

    Edycja: przykładowy przykład

    Po opublikowaniu tej odpowiedzi musiałem myśląc, że przydałoby się zilustrowanie ostatecznego celu, jaki moglibyśmy osiągnąć w nauczaniu teorii praktyków, i tak się składa, że ​​mam dobrą osobistą anegdotę.

    Na ślubie mojej siostry zostałem poproszony z zespołem jako gitarzysta prowadzący. Grali na kilku odpowiednich standardach, które znałem, ale nigdy wcześniej nie grałem. Zapytali mnie krótko przed wyjściem na scenę, więc żadna próba nie wchodziła w grę.

    Na szczęście klawiszowiec miał kilka krótkich nut (w zasadzie akordów i tekstu), więc ustaliliśmy, że po prostu patrzyłbym mu przez ramię. Potem mówi mi:

    „Jest tylko jedna rzecz: transponuję klawiaturę, aby ułatwić sobie życie, więc klawisze, na których będę grał, będą inne.”

    Bez obaw.

    Skończyło się na tym, że poprosiłem go, żeby powiedział mi właściwy tonację, zanim zaczął piosenkę. Potem w myślach zastosowałem szybką analizę cyfr rzymskich do akordów, które napisał, aby zorientować się, gdzie jestem, harmonijnie, i to dałoby mi wyobrażenie, gdzie muszę iść melodycznie. Wyszło całkiem nieźle.

    Morał z tej historii jest taki, że aby to zrobić, musiałem wyjść poza to, jakie informacje mi przedstawiono (które były niekompletne i niezupełnie dokładne). Jedynym sposobem na to było najpierw wyodrębnienie ogólnej koncepcji, a następnie wymyślenie odpowiedniej aplikacji, biorąc pod uwagę to, w co właściwie grałem. Bez solidnego uziemienia w podstawowej teorii muzyki (lub bystrego ucha i doskonałej tonu) byłoby to niemożliwe.

    Myślę, że praca nad modelem mentalnym jest kluczowa. Może podejście odgórne mogłoby mu lepiej służyć, ponieważ jako słuchacze zaczynamy poznawać elementy utworu na wyższym poziomie (ton, nastrój, rytm, sposób jego budowy (zwrotka, refren itp.)). , nauczyciel musi upewnić się, że teoria jest odwzorowana i zakorzeniona w słyszeniu: widziałem gitarzystów, którzy nie słyszeli lub nie wiedzieli, które nuty były grane na bębnie lub werblu - więc czasami perkusista musiał podążać za graczem, który mógł liczyć, ale nie poczuje.
    @atoth Zaryzykowałbym kogoś, kto nie potrafi grać na (względnie stabilnym) bębnie, który tak naprawdę nie umie liczyć. Jak możemy liczyć, jeśli nie wiemy, gdzie są ci? W / r / t top-down, nie jestem przekonany TBH. Nie próbowałbym uczyć podstawowych esejów komuś, kto uczy się pisać pierwsze słowa, a tym bardziej alfabetu.
    To, co mówisz, brzmi logicznie, ale z drugiej strony spotkałem wielu ludzi, którzy potrafili policzyć od 1 do 8, ale nie potrafili znaleźć odpowiedniego nacisku (czy to 2-4 czy 1-3?). Znamy też wielu ludzi, którzy potrafią „mówić eseje” nie znając „alfabetu”. Obowiązkiem nauczyciela jest sprawdzenie i sprawdzenie, czy kropki zostały połączone. Cel (np. Gra na czas) nie może być efektem ubocznym metody.
    #3
    +9
    Richard
    2016-12-02 07:11:59 UTC
    view on stackexchange narkive permalink

    (Zacznę od stwierdzenia, że ​​to okropne zadanie z teorii muzyki, które pokazałeś. Wiem, że nie jest twoje, ale nienawidziłbym teorii muzyki, gdyby tego się nauczyłem jako student! )

    Najpierw musimy dokładnie zdefiniować, co rozumiemy przez „teorię muzyki”:

    • Czy jest to teoria muzyki dla muzyków klasycznych, czy teoria muzyki dla muzyków popularnych?
    • Czy uczniowie mogą czytać muzykę, czy też ci uczniowie chcą komponować muzykę elektroniczną tylko na swoich komputerach?
    • Czy program nauczania będzie zawierał komponent umiejętności słuchowych, czy też jest to ściśle napisana teoria? / li>
    • Jaki jest ogólny cel wyjściowy, dla którego uczeń się uczy (a nauczyciel uczy)?
    • Czy wolisz bardziej „pionowe” podejście do układania akordów (zobacz Kostkę i Podręcznik Payne'a) lub bardziej „horyzontalne” podejście głosowe (patrz podręczniki Aldwella i Schachtera; Laitz; oraz Clendinning i Marvin)?

    Tylko wtedy możemy naprawdę zacznij odpowiadać na to pytanie.

    I w reklamie A propos dwóch wspaniałych odpowiedzi udzielonych już przez alephzero i topo morto, kilka dalszych uwag:

    • Instruktorzy muszą zrozumieć różnicę między kontekstowymi a kontekstowymi przykładami i ich ważnością . Przez „kontekstowy” rozumiemy przykład pochodzący z literatury (np. Przykład „Oda do radości” w dostarczonym pliku PDF). Przez „kontekstowe” rozumiemy przykłady poza repertuarem (podobnie jak pozostałe dwie strony „uzupełnij te autentyczne kadencje” w pliku PDF). W przeważającej większości przypadków studenci preferują przykłady kontekstowe, a materiał „przykleja się” znacznie łatwiej, gdy używa się rzeczywistych przykładów muzycznych.
    • Podobnie spotkaj się z nimi w środku, jeśli chodzi o repertuar, o którym rozmawiasz . Zbyt wielu instruktorów teorii muzyki nalega na ciągłe nauczanie tych samych zwrotów z tych samych sonat fortepianowych Mozarta i Haydna i nic nie zabije entuzjazmu ucznia szybciej. Jeśli w twoim repertuarze nie ma przykładów z Aladdin , The Beatles i Lady Gaga, po prostu robisz to źle.

    Na koniec niektóre źródła na nauczanie teorii muzyki, mimo że obaj są nastawieni na profesorów uniwersyteckich:

    Całkowicie zgadzam się z Tobą co do podanego przeze mnie przykładu teorii; Znalazłem to losowo przez Google i nie chciałem być zbyt nieprzyjemny. Nie użyłbym tego, ale ciągle widzę podobne przykłady.
    Doszedłem do tego. Niestety, istnieje * wielu * złych nauczycieli teorii muzyki ...
    Właściwie ktoś próbował przeanalizować piosenki Lady Gagi :) http://www.slate.com/articles/arts/culturebox/2014/03/lady_gaga_s_bad_romance_owen_pallett_explains_the_pop_diva_s_genius_using.html
    #4
    +8
    user19146
    2016-12-02 06:04:16 UTC
    view on stackexchange narkive permalink

    Twój hipotetyczny uczeń ma rację, w tym sensie, że „zrozumienie doskonałych kadencji” na tyle dobrze, aby napisać kilka z nich w czterogłosowej harmonii, jest całkowicie bezużyteczną wiedzą z wyjątkiem pewnych kontekstów muzycznych, a te konteksty najprawdopodobniej będą go najmniej interesować na tym etapie w jego / jej rozwoju muzycznym.

    Podejście „tradycyjne” Wydaje się, że nauczanie „teorii muzyki” na poziomie podstawowym wydaje się być oparte na powszechnej praktyce harmonii. W XIX wieku był to kontekst muzyczny „na żywo”, ale już nie. Nawet w kontekście nauczania wykonywania „muzyki klasycznej” (cokolwiek to jest!) Na „tradycyjnych instrumentach muzycznych” istnieje co najmniej sto lat nagromadzenia dobrej jakości praktycznych materiałów dydaktycznych, które znajdują się poza nią.

    Jeśli powyższe poprawnie identyfikuje źródło (lub przynajmniej jeden rdzeń) problemu, nie mam „rozwiązania” - ale jako konkretny przykład, na którym należy się skupić, czym byłaby „teoria jak wygląda kurs „dla studentów klawiatury, przeznaczony do pracy równolegle z„ Mikrokosmosem ”Bartoka? Podejrzewam, że „idealne kadencje” nie występowałyby w nim zbyt mocno.

    A „Microkosmos” nie jest wcale nowatorską awangardową muzyką w 2016 roku…

    Różne książki Hindemitha o „elementarnej teorii i muzykalności” były przynajmniej początkiem właściwy kierunek - chociaż mają teraz ponad pół wieku i prawdopodobnie Hindemith miał swój własny teoretyczny topór (który nigdy nie stał się głównym narzędziem do tworzenia muzyki) do szlifowania podczas ich pisania.

    #5
    +3
    General Nuisance
    2016-12-02 08:00:40 UTC
    view on stackexchange narkive permalink

    Jestem tym niezręcznym skrzypkiem, który nie znał ani odrobiny teorii - i nie dbał o to - aż do około dwóch lat gry i tak naprawdę nie dbał o to, dopóki nie zaczął grać na pianinie. Dlaczego fortepian? Cóż, pomyśl o tym z perspektywy skrzypka zielonego rogu. Skrzypce są dość abstrakcyjne, jeśli chodzi o teorię muzyki. Nuty są w zasadzie punktami struny, którą musisz zapamiętać - fizycznie i dźwiękowo. Z tego powodu zwykle łatwiej jest się uczyć metodą taką jak Suzuki, w której szybko stajesz się biegły technicznie, ale kosztem czytania muzyki.

    To jedyny powód, dla którego piszę to dzisiaj i nie grać w gry wideo, jeśli to ma sens. Rzuciłbym to lata temu.

    Dzięki Suzuki mogłem cieszyć się grą na skrzypcach wcześniej niż w innym przypadku. Ale ... Teoria. Tak. Nie mogłem w ogóle czytać nuty, dopóki nie grałem przez jakieś dwa, trzy lata i bardzo słabo, dopóki nie dołączyłem do mojej pierwszej orkiestry. Tak więc około rok lub dwa temu zająłem się fortepianem „dla teorii” i jako uzupełnienie skrzypiec.

    BYŁO BOLESNE . BARDZO BOLESNE. (Na początku ...)

    Ponieważ nigdy wcześniej nie grałem, a mój nauczyciel gry na fortepianie nie znał tak dobrze innych programów nauczania, zacząłem od książki, która była zasadniczo przeznaczona dla przedszkola. W tamtym czasie byłem dość biegły w czytaniu a vista, ale dosłownie nie czerpałem radości z grania w „Komputer” czy „Strażnika”, ani nawet w „klasyki”, takie jak „Boogie Woogie Goose”. Najbardziej lubię rzeczy przednowoczesne.

    Niedawno mój nauczyciel zaczął mi pokazywać, jak improwizować hymny.

    Piękno tego. Łał. Mój muzyczny świat się otworzył. Nie widziałem już muzyki jako wcześniej napisanych notatek na stronie. Nagle świat kompozycji i improwizacji pojawił się przede mną.

    Nagle chciałem dowiedzieć się o progresjach akordów - rzeczach, które nigdy nie miałyby znaczenia do skrzypka. chciałem nauczyć się dekoracji melodycznych.

    Mój nauczyciel zaczął od pokazania mi, jak znaleźć „akordy” piosenki. Znajdź tonację, wybierz pierwszą nutę skali, stwórz swoją triadę, powtórz dla czwartej i piątej nuty skali i masz trzy akordy, które brzmią wybornie w tej tonacji.

    „No! " Myślałem. „Teraz mogę zagrać dowolną piosenkę! Mogę improwizować!”

    Wybierz inną sytuację.

    „W porządku, dziecko. dowiem się o postępach w akordach! Czy to nie ekscytujące? ”

    [Krwawy krzyk, rozdzieranie włosów]

    Nawet nie zdawałem sobie sprawy, że się tego uczyłem rzeczy. Nauczono mnie tego jako sposobu tworzenia muzyki w kontekście tworzenia muzyki.

    Od tamtej pory zajmowałem się teorią muzyki bardziej niezależnie, ale mój nauczyciel nauczył mnie, jak tworzyć akordy (1, 5, 8 + 3 + 3 ... Nie mogłem zastosować tego do własnej muzyki), a o dekoracjach melodycznych nauczyłem się w swoim czasie ... Uczę się teorii muzyki, ponieważ widzę, jak mogę ją zastosować w kontekście rozrywki.

    Kiedy jestem w złym nastroju, znudzony, szczęśliwy lub smutny (lub w zasadzie zawsze, gdy przechodzę obok fortepianu), siadam i improwizuję. Mogę to zastosować. Chcę się dowiedzieć wszystkiego, co się z tym wiąże.

    A co z czytaniem nut?

    Doszedłem do wniosku, że mogę mieć w plecaku całą orkiestrę, ilekroć mam partyturę z mnie. Uczę się piosenek i cieszę się, że potrafię panować nad moimi mniej zatwardziałymi przyjaciółmi.

    Zabawne, co?

    Wszystkie te rzeczy, gdyby były nauczane w formacie podręcznikowym, trafiałyby do jednego ucha, a do drugiego.

    Oto moja propozycja:

    Teoria muzyki na zasadzie potrzeby, a przez potrzebę, mam na myśli chęć.

    Powiedz dziecku: „Hej , dzisiaj przyjrzymy się kilku fajnym piosenkom, które używają [blank]. ”

    „ Brzmi fajnie, co? Czy wiesz, że możesz wrzucić [blank] gdziekolwiek chcesz? Tak, Myślę, że też jest fajny. Spróbujmy trochę. Tutaj, włóż to w ten kawałek.

    Lub, jeśli [puste] nie może się udać, pokaż dziecku wszystkie miejsca w piosenkach, które mu się podobają, a pojawia się [puste]. Co najważniejsze, pokaż dziecku, że może używać [puste].

    Czasami zdarza się element teorii, który jest tak teoretyczny, że nie można go tak naprawdę zastosować w codziennym użytkowaniu, ale uczeń będzie zmotywowany, gdy znajdzie powód , nawet jeśli nie możesz mu tego pokazać.

    Zacząłem od podrzędnego zadania zapamiętywania moich sygnatur kluczy. To trudne, a gdybym był do tego zmuszony wcześniej, byłoby wiele łez - i zapomniano o kluczu.

    Teraz chcę się ich nauczyć, ponieważ chcę wskazać na przerażające patrząc na wynik i powiedz: „To f-moll!”

    Oto moje dziesięć centów.

    Mówiłeś o części „swojej podróży” i zawsze jest to coś, o czym warto pamiętać ... że każdy uczeń jest * gdzieś * podczas długiej podróży i warto z grubsza ustalić, gdzie się znajduje!
    #6
    +2
    atoth
    2016-12-02 18:50:52 UTC
    view on stackexchange narkive permalink

    Myślę, że wielkim (ponownym?) objawieniem naszych czasów jest znaczenie motywacji w nauce i zabawie.

    Motywacja

    Jeśli jesteś autorem piosenek, prawdopodobnie nauczysz się teorii z powodu ciekawości i będziesz pisać lepsze piosenki . Ci, którzy są w big bandzie, muszą umieć czytać arkusze i improwizować . Twój sąsiad z sąsiedztwa chce tylko słuchać i odtwarzać piosenki , które słyszy w radiu, więc potrzebuje tylko nauki słuchu i podstawowych skal / akordów.

    Wszyscy ci ludzie potrzebowaliby innego podejścia. Jeśli dostaną to, czego potrzebują, może zadziała ich naturalna ciekawość i dowiedzą się więcej.

    Również ludzie z różnych gatunków mogą początkowo nie chcieć uczyć się zupełnie innego gatunku. (Naprawdę nienawidziłem grać nudnych kompozycji na gitarę klasyczną w C-dur - tylko po to, aby nauczyć się czytać arkusze)

    Gry

    Dlaczego nauka miałaby być uciążliwa? Wyobraź sobie na przykład grę fantasy, w której możesz rzucać różne zaklęcia, grając w różnych skalach. Sprawiłeś, że nauka skal była zabawna, efektywna i przyjemna.

    Jeśli kiedykolwiek grałeś w grę strategiczną, prawdopodobnie nauczyłeś się dużo o zarządzaniu zasobami, konstruowaniu maszyn itp. Wszystko to dzięki efektowi ubocznemu zabawy doświadczenie . Teraz byłbym naprawdę szczęśliwy, mogąc grać w gry, które uczą mnie teorii muzyki lub ćwiczą moje ucho.

    Dostarczanie narzędzi użytkownikowi teorii

    Jak powiedziałem w kwestii motywacji, powinieneś mieć wiele rodzajów kursów dla różnych potrzeb. Na przykład jako autor tekstów idealnym podejściem do nauki teorii muzyki byłaby przeszukiwalna „baza danych” zawierająca zapisy, teorię i przykłady muzyczne połączone z każdym tematem - dzięki czemu mogę wyszukać następny krok, kiedy piszę piosenkę (przykłady):

    • przekonujące zmiany klawiszy
    • sklejanie części rytmicznie ze sobą
    • tworzenie harmonii wokalnych
    • podkręcanie emocji (sztuczki na perkusji, orkiestracja , harmonie)

    itp.

    Bez opinii ( „4-dźwiękowe akordy są bardziej wyrafinowane niż granie triad” ), ale z wieloma możliwymi do odtworzenia przykładami, najlepiej z wieloma gatunkami i krajami.

    Nigdy nie zapominaj, że muzyka ma być słyszana i rozumiana dźwiękowo.

    Siła społeczności

    Nie jesteś sam. Na YouTube są już naprawdę fajne materiały, z których możesz dowiedzieć się, jak najlepiej uczyć określonego obszaru, jeśli jesteś otwarty. Powinni być programiści kochający muzykę, którzy chcieliby pracować nad zabawną aplikacją do nauczania muzyki na telefon. Istnieją fora, na których możesz wypróbować i przetestować swoje metody nauczania.

    #7
    +1
    user16935
    2016-12-02 08:02:35 UTC
    view on stackexchange narkive permalink

    Weź kartkę od najlepszego nauczyciela kompozycji ubiegłego wieku:

    Dieses Buch habe ich von meinen Schülern gelernt.
    Arnold Schoenberg, Przedmowa do Harmonielehre, 1911 .

    „Nauczyłem się tej książki od moich uczniów”.

    Styl nauczania Schönberga był odkrywczy: jeśli przejrzysz jego prace teoretyczne i dydaktyczne , istnieje wiele przykładów z literatury. Charakter tego odkrywczego stylu nauczania polega na zaangażowaniu uczniów w ustalenie, jak działa prawdziwa muzyka. Robienie tego w ten sposób absolutnie wymaga udoskonalenia własnego rozumienia muzyki, kiedy jej uczysz, często poprzez spostrzeżenia samych uczniów. Z pewnością wymaga to udoskonalenia swojego podejścia, gdy zobaczysz, co działa, a co nie.

    Przekładanie tego podejścia na dzieci w wieku szkolnym to nie wszystko, co różni się od nauczania 19-latków : musisz odnieść to do tego, co robią (co w przypadku dzieci w wieku szkolnym polega na nauce śpiewania i / lub grania stopniowo bardziej złożonych utworów). Staje się przypadkiem „Hej, kiedy wydaje się, że powinniśmy wziąć oddech, to jest fraza. Teraz spójrz, co robi ten i ten fragment, gdy fraza się kończy…”

    Tempo alephzero, musisz popracować w oparciu o powszechną praktykę. Tak wiele współczesnej i postmodernistycznej muzyki odchodzi od niej i, szczerze mówiąc, większość tego, czego dzieci w wieku szkolnym będą uczyć się grać na swoich instrumentach, prawdopodobnie pochodzi z klapsa w środku tego okresu, a nie Mikrokosmos .

    To także wyciągnięcie listu z wielkiego modernisty: człowieka, który uczył kompozytorów tak różnorodnych jak Webern i Cage, uczył prawie wyłącznie teorii powszechnej praktyki. Jest kilka powodów:

    1. Łatwiej jest wyciągać wnioski na temat muzyki, która pochodzi głównie z przeszłości. Spędzono więcej czasu i wysiłku, aby dowiedzieć się, jak działa.
    2. Ponieważ zostało to w większym stopniu skodyfikowane, jest bardziej odpowiednie do zadania rozwijania przez ucznia umiejętności manipulowania tonami w celu robienia tego, czego on / ona chce - muzycznej „kalisteniki”, jeśli wolisz. Aby wykonać to zadanie, musisz wyznaczyć jasno ograniczone cele dla ćwiczeń, aby nie zalać ucznia zbyt wieloma niezrozumiałymi decyzjami do podjęcia. Muzyka współczesna wcale nie jest tak dobrze rozumiana ani skodyfikowana, więc problem przedwczesnego wymuszania decyzji staje się o wiele większy. To nie jest odmienne od sztuk pięknych: jeśli opanujesz podstawy rysowania życia i perspektywy, możesz potem zrobić prawie wszystko, co chcesz. Masz niezbędne umiejętności i kontrolę.

    Ja osobiście, kiedy mam do czynienia z młodszymi uczniami lub początkującymi, lubię pracować z Podstawami kompozycji muzycznej Schoenberga jako wskazówka: logiczne przejście przez elementy muzyczne, wszystkie związane z fragmentami przykładów zaczerpniętych z prawdziwej muzyki (a przykłady napisane specjalnie, aby podkreślić, również tworzą prawdziwą muzykę).

    Tak, Schoenberg był świetny. Pisanie muzyki poprzez niemal losowe wybieranie dźwięków. Jaka artystyczna ... wizja? (Żartuję, lubię trochę rzeczy Schoenberg, ale * ktoś * musi się z niego naśmiewać.)
    @GeneralNuisance,, o ile ludzie pamiętają, że co najmniej połowa jego twórczości była tonalna (nawet w latach 12-tonowych) i że była to * bardzo dobra * muzyka tonalna. Mój własny żart na stojąco jest taki, że Schoenberg był najlepszym dziełem Wagnera: wystarczy posłuchać Gurreliedera, aby zrozumieć, skąd pochodzi AS.
    Kiedy mówisz, że „muzyka współczesna wcale nie jest tak dobrze rozumiana ani skodyfikowana” - o jakim okresie myślisz? Czy odnosisz się do konkretnych stylów?
    @topomorto, prawie wszystko po 1911 roku. Jeśli posłuchasz, powiedzmy, wolnych utworów atonalnych AS, Bartóka z połowy okresu i Roslavetsa z okresu około nastolatków i dwudziestki, zdasz sobie sprawę, że mają one sporo wspólnego i że teoria mnogości Forte'a (który jest jedynym, który nominalnie obejmuje wszystkie z nich) niezbyt dobrze wyjaśnia, co wydaje się w nich całkiem funkcjonalne. Jeśli posłuchasz klasycznej dwunastotonowej muzyki, zdasz sobie sprawę, że teoria kiepsko się spisuje, wyjaśniając * Lulu * lub Koncert fortepianowy AS. Teoria z tamtego okresu jest naprawdę ad hoc i nadal pozostaje prawdą w dzisiejszej muzyce.
    @Patrx2 interesujące, dzięki. Nie mam twoich szczegółów wiedzy, ale mam podobny pogląd.


    To pytanie i odpowiedź zostało automatycznie przetłumaczone z języka angielskiego.Oryginalna treść jest dostępna na stackexchange, za co dziękujemy za licencję cc by-sa 3.0, w ramach której jest rozpowszechniana.
    Loading...