Do teorii muzyki można podejść na dwa sposoby - jako teoretyk muzyki (który może grać, ale nie musi) lub jako praktyk muzyczny (czyli: muzyk ). Wymagania dotyczące wiedzy są oczywiście inne iw kontekście tego pytania skupię się głównie na perspektywie praktyka.
Zastanówmy się, jaka (jakaś) wiedza z teorii muzyki jest warta dla muzyka. Widzę co najmniej trzy powody, aby nauczyć się przynajmniej trochę teorii:
-
Komunikacja z innymi muzykami,
-
Zapoznanie się ze wzorami,
-
Kreatywne skróty.
Przyjrzyjmy się każdemu z nich po kolei.
Komunikacja
Nadajmy mu nazwę, abyśmy mogli o nim porozmawiać.
(Mighty Mighty Bosstones na temat pochodzenia terminu skacore )
Jako muzycy musimy umieć rozmawiać z innymi muzykami o najdrobniejszych aspektach muzyki, a język codzienny nie zawsze jest odpowiedni. Oczywiście, w przeciwieństwie do pianissimo, możesz powiedzieć „zagraj to bardzo cicho”, ale w większości przypadków jedyną alternatywą dla standardowych terminów muzycznych, które oznaczają to, czego chcesz (na przykład „zagraj ten kawałek z wyczuciem 6/8”) jest faktycznie zademonstruj to, co próbujesz powiedzieć. Oczywiście preferowana jest możliwość wyrażenia potencjalnie złożonej koncepcji prostym terminem.
Ponieważ mówimy o nauczaniu, dwóch muzyków, którzy muszą się komunikować, to nauczyciel i uczeń. Jest oczywiście możliwe nauczenie kogoś wykonywania utworu muzycznego bez zajmowania się teorią w dowolnym momencie (po prostu poprzez zademonstrowanie wszystkich ruchów, które uczeń musi wykonać w kontekście wykonania), ale przebiegnie to znacznie szybciej, jeśli potrafisz komunikować się na poziomie koncepcyjnym. Abyśmy nie zapomnieli, takie podstawy, jak nazwy nut i notacja muzyczna są także częściami teorii muzyki.
Zapoznanie się ze wzorami
Możemy patrzeć na utwór jako długą serię nut i pauz, które prowadzą nas od początku do końca - a nawet nauczyć się grać, zapamiętując go jako taką, lub możemy spójrz na to jak na konstrukcję złożoną z mniejszych klocków. Co najważniejsze, te elementy konstrukcyjne pojawią się również w innej muzyce.
Jakiego rodzaju elementy konstrukcyjne? Gamy, akordy, arpeggia, sekwencje, wzory rytmiczne, standardowe formy, kadencje itp. Za każdym razem, gdy jesteśmy w stanie dostrzec coś, co już znamy w nieznanym nam utworze muzycznym, nasza praca staje się o wiele łatwiejsza. Zamiast analizować i uczyć się kolejno każdej nuty, możemy zamiast tego zastosować pojęcia wyższego poziomu, które są nam już znane i biegle.
Jednak aby zaznajomić się i biegle posługiwać się takimi „cegiełkami”, musimy najpierw uświadomić sobie, że one istnieją. Jedną z funkcji teorii muzyki jest identyfikowanie takich elementów składowych, nazywanie ich i badanie, jak do siebie pasują.
Kreatywne skróty
Wcześniej czy później może się okazać, że będziemy musieli stworzyć trochę muzyki, w przeciwieństwie do uczenia się tego, co napisał ktoś inny. Może to być tak skomplikowane, jak napisanie całego artykułu od zera, lub tak proste, jak „czy mógłbyś wymyślić część na ten fragment?”
Ponownie, można wykonać pracę metodą prób i błędów . Będzie to jednak szybsze i łatwiejsze, jeśli będziemy mieć pojęcie, co prawdopodobnie zadziała, a co nie - jeśli będziemy zaznajomieni z dostępnymi dla nas opcjami i ich brzmieniem.
Wiedza teorii muzyki pozwala nam zarówno zapoznać się z takimi opcjami, jak i nauczyć się systemu klasyfikacji, który ułatwia nam ich śledzenie.
Praktyczne podejście do nauczania teorii muzyki
Mając powyższe na uwadze, dwie rzeczy stają się oczywiste: że bardzo przydatne będzie dla ucznia poznanie przynajmniej odrobiny teorii muzyki; i że nauka teorii powinna być podporządkowana nauce praktyki muzycznej.
Innymi słowy, uczeń powinien przede wszystkim uczyć się wykonywania muzyki. Jednak gdy uczą się grać, powinni również stopniowo uczyć się, w co grają i jak to pasuje do innych rzeczy, których już się nauczyli.
Spróbujmy stworzyć listę najbardziej podstawowe pojęcia z teorii muzyki, których powinien się nauczyć każdy student:
- Solidna znajomość rytmu (w tym notacja rytmiczna) jest absolutną koniecznością dla każdego. Zawsze powtarzam, że nauka liczenia jest najważniejszą umiejętnością do opanowania jako muzyk.
Wspaniałą rzeczą w rytmie jest to, że jest to umiejętność, którą można ćwiczyć od pierwszego dnia, nawet jeśli Mechanika wydobywania dźwięku z instrumentu wciąż pozostaje głęboką, mroczną tajemnicą. W mojej praktyce nauczycielskiej zawsze zaczynałam moich początkujących uczniów od ćwiczeń klaskania, pozwalając im poczuć rytm bez konieczności zajmowania się skrzypiącymi ruchami gry na instrumencie.
- Podstawowe nazwy dźwięków, których się uczysz, powinny być nauczane przy najbliższej okazji, chociaż prawdopodobnie nie wcześniej niż wtedy, gdy uczeń zostanie po raz pierwszy wezwany do ich odtworzenia.
Uczniowie powinni poznawać nazwy nut, które grają (to banalne, wiem, ale niemniej ważne), akordy (szczególnie w przypadku instrumentów intensywnie wykorzystujących schematy, takich jak gitara), artykulacje i tak dalej (szczegóły zależą od instrumentu).
Przyczyna tego powinna być jasna: uczeń będzie musiał powtarzać te rzeczy w trakcie nauki. Nauczyciel potrzebuje zwięzłego sposobu na przekazanie uczniowi tego, co ma zagrać, a uczniowi dużo łatwiej jest myśleć w stylu „oto gram akord C-dur”, w przeciwieństwie do „Muszę to ułożyć palec tutaj i ten palec tutaj i ten palec tam i ... ”
Jest również prawdopodobne, że uczeń w pewnym momencie w przyszłości zacznie bawić się z innymi poza salą lekcyjną i tutaj umiejętność prowadzenia znaczących rozmów na temat tego, co ma być zagrane, będzie nieoceniona.
W odniesieniu do tego konkretnego zagadnienia należy zachęcać do nauczania odpowiedniej formy notacji muzycznej. Nie musi to być standardowa notacja muzyczna od początku, jeśli istnieje prostszy, powszechnie używany system (mam tu na myśli zwłaszcza tabulaturę, ponieważ oferuje ona jednoznaczny system notacji dla instrumentu, w którym ta sama nuta może być zagrana w sześciu w różnych miejscach lub więcej). Chodzi o to, aby uczeń mógł w jakiś sposób robić notatki z tego, co musi zagrać, gdy nie ma nauczyciela, który by im pokazał, i móc samodzielnie odkrywać zapisaną muzykę.
W miarę jak uczeń uczy się grać, powinien również opracować schemat mentalny, który pozwoli mu zrozumieć w co grają i jak to pasuje do tego, co już wiem. W obliczu instrumentu mamy do czynienia z morzem muzycznych możliwości. Potrzebujemy sposobu na podzielenie ich na małe kawałki.
Każdy instrument ma swój własny zestaw „sztuczek”, aby to ułatwić (na przykład klawiatura fortepianu pozwala „zobaczyć” nazwy dźwięków, z drugiej strony gitara ułatwia transpozycję muzyki do różnych klawiszy, poprzez przesunięcie schematów palcowania do różnych pozycji), więc szczegóły będą zależeć od tego, czego się uczy.
Na drugim końcu spektrum są rzeczy uniwersalne dla wszystkich (lub większości) instrumentów: takie rzeczy jak forma muzyczna, tonalność, szablony rytmiczne.
W kontekście takiej struktury możliwe jest wyodrębnienie pojęć wspólnych dla dużej liczby określonych elementów i ćwiczenie ich w izolacji. Jeśli wiemy, jak zagrać arpeggio C-dur, powiedzmy, możemy oprzeć się na tej wiedzy, ilekroć napotkamy ją w nieznanym dotąd utworze muzycznym. Możemy to ćwiczyć w różnych tonacjach, budując sprawność mechaniczną (czyli biegłość w ruchach potrzebnych do wykonania fragmentu muzycznego) i przygotowując się na czas, kiedy będziemy musieli grać to w kontekście muzycznym.
Jednak we wszystkich przypadkach musimy najpierw zdać sobie sprawę, że istnieją takie metody niszczenia muzyki, zanim będziemy mogli wykorzystać je na naszą korzyść.
Uwagi ogólne
Jak poprzednio stwierdził, że dla praktyka muzyki gra powinna być najważniejsza. Koncepcje teoretyczne muszą być wprowadzone do obrazu tylko wtedy, gdy pojawiają się w muzyce, którą uczeń uczy się grać.
Rytm trzeba będzie wprowadzić prawie od samego początku, nawet jeśli zaczniemy od czegoś takiego jak proste jak granie (lub klaskanie) ćwierćnutowych przy liczeniu „jeden-dwa-trzy-cztery”.
Podobnie, ponieważ uczeń uczy się grać pojedyncze nuty lub akordy, powinniśmy wprowadzić nazwy, którymi odtąd będziemy się do nich odnosić. Umiejętność powiedzenia „teraz graj nutę B”, w przeciwieństwie do „graj tam tym palcem”, jest tak ważna, że nie warto o niej wspominać. Jeśli uczeń gra akordy, powinien wiedzieć, jak te akordy są nazywane - przy jednoczesnym graniu kilku nut zdolność „zrzucenia” dużej ilości informacji do jednej nazwy jest o wiele ważniejsza.
Gdy uczeń opanuje podstawy i nauczy się grać kilka prostych utworów, możemy stopniowo wprowadzać koncepcje wyższego poziomu. Forma muzyczna to coś, o czym często się zapomina, gdy myślimy o teorii muzyki, ale jest ona kluczowa zarówno dla opanowania dłuższych i bardziej skomplikowanych utworów, jak i dość prostą koncepcją nawet dla początkującego. Pokazując, jak pozornie monolityczny utwór muzyczny można podzielić na powtarzające się i przeplatające „fragmenty”, pokazujemy uczniom, jak ułatwić sobie naukę nowego utworu.
Kiedy uczeń zaczyna rozszerzać zakres tonacji, powinniśmy stopniowo wyjaśniać, jak działa koncepcja tonacji i jak różne części systemu tonalnego (gamy, akordy, kadencje) mogą być izolowane, ćwiczone i stosowany. Celem jest, aby uczeń spojrzał na utwór muzyczny i mniej myślał w kategoriach długich serii nut, ale raczej w kategoriach bloków muzycznych, które może dostrzec, zidentyfikować i umieć zagrać.
Praktyka jest trwała, dlatego ważne jest, aby nadal wzmacniać te koncepcje w trakcie naszego nauczania. Student powinien uczyć się i ćwiczyć te elementy teorii muzyki, dopóki nie zostaną zakorzenione. Najłatwiej to zrobić, aby poprowadzić ucznia przez analizę muzyki, którą gra - zwłaszcza nowych utworów, gdy uczeń już dość dobrze zrozumie, czego został nauczony do tej pory. Pamiętaj, że celem jest ułatwienie uczniowi zastosowania rzeczy, które już znają i mogą grać w kontekście uczenia się nowej muzyki.
Z punktu widzenia nauczyciela oznacza to, że powinniśmy podchodzić do naszych lekcji analitycznie jak je przygotowujemy. Powinniśmy mieć solidne wyobrażenie o koncepcjach teoretycznych obecnych w muzyce, której będziemy uczyć ucznia, i szukać sposobów, w jakie możemy je wykorzystać na korzyść ucznia.
Czy utwór zawiera jakąś koncepcję, którą uczeń jest? zaznajomiony z? Zanotuj to i zwróć uwagę.
Czy dzieli koncepcję z inną muzyką, którą uczeń już zna, a która ułatwiłaby i przyspieszyła naukę? Być może nadszedł czas, aby przedstawić koncepcję i pokazać uczniowi, jak jest stosowana.
Czy wyposażyłeś już ucznia we własny zestaw narzędzi analitycznych? Świetny! Rozpocznij naukę nowej muzyki od spojrzenia na partyturę ze swoim uczniem i omówienia wszystkich miejsc, w których uczeń może zastosować swoje istniejące umiejętności.
Jeśli chcemy, aby nasi uczniowie zabrali wiedzę z teorii muzyki, pomóc im w ich muzycznej praktyce, powinno być jasne, że musimy zbadać naszą własną. Jestem głęboko przekonany, że całe nauczanie jest również uczeniem się (wydaje się, że Schoenberg się z tym zgadza). Czy możemy wyjść poza nauczanie naszych uczniów, jak grać konkretny utwór, w kierunku budowania umiejętności i wiedzy, które pozwolą im grać różne rzeczy przy minimalnym nakładzie dodatkowej pracy? Jeśli nie, być może nadszedł czas, aby odświeżyć naszą teorię muzyki.
Edycja: przykładowy przykład
Po opublikowaniu tej odpowiedzi musiałem myśląc, że przydałoby się zilustrowanie ostatecznego celu, jaki moglibyśmy osiągnąć w nauczaniu teorii praktyków, i tak się składa, że mam dobrą osobistą anegdotę.
Na ślubie mojej siostry zostałem poproszony z zespołem jako gitarzysta prowadzący. Grali na kilku odpowiednich standardach, które znałem, ale nigdy wcześniej nie grałem. Zapytali mnie krótko przed wyjściem na scenę, więc żadna próba nie wchodziła w grę.
Na szczęście klawiszowiec miał kilka krótkich nut (w zasadzie akordów i tekstu), więc ustaliliśmy, że po prostu patrzyłbym mu przez ramię. Potem mówi mi:
„Jest tylko jedna rzecz: transponuję klawiaturę, aby ułatwić sobie życie, więc klawisze, na których będę grał, będą inne.”
Bez obaw.
Skończyło się na tym, że poprosiłem go, żeby powiedział mi właściwy tonację, zanim zaczął piosenkę. Potem w myślach zastosowałem szybką analizę cyfr rzymskich do akordów, które napisał, aby zorientować się, gdzie jestem, harmonijnie, i to dałoby mi wyobrażenie, gdzie muszę iść melodycznie. Wyszło całkiem nieźle.
Morał z tej historii jest taki, że aby to zrobić, musiałem wyjść poza to, jakie informacje mi przedstawiono (które były niekompletne i niezupełnie dokładne). Jedynym sposobem na to było najpierw wyodrębnienie ogólnej koncepcji, a następnie wymyślenie odpowiedniej aplikacji, biorąc pod uwagę to, w co właściwie grałem. Bez solidnego uziemienia w podstawowej teorii muzyki (lub bystrego ucha i doskonałej tonu) byłoby to niemożliwe.