To zacznie brzmieć nie na temat, ale obiecuję, że tak nie jest. Moja mama była (zanim przeszła na emeryturę) nauczycielką angielskiego w liceum i kiedy uczyła poezji, użyła następującej analogii: Wyobraź sobie grę w tenisa między czołowymi profesjonalistami, jak ekscytująca i energiczna może być. Teraz wyobraź sobie tę samą grę, ale usuń białe linie na korcie. Teraz usuń siatkę. Co Ci zostało? Tylko dwóch facetów uderzających piłkę w tę iz powrotem. Próbowała powiedzieć: linie, sieć, zasady - wszystkie one nadają grze strukturę. W tej strukturze jest dużo miejsca na kreatywność, ale bez tej struktury cała sprawa traci sens.

Tenis to konkurencja, w przeciwieństwie do muzyki. Rozumiem. A w poezji jest coś takiego jak wolna zwrotka i ja też to rozumiem. Tworząc dzieło sztuki, nie musisz przestrzegać tak zwanych „zasad”, jeśli nie chcesz. Ale zasady mogą być pomocne. Potrafią ustalić kontekst, udzielić wskazówek, zapewnić strukturę. Jako muzyk jazzowy cały czas opieram się na zasadach, bo tworzę muzykę na miejscu razem z innymi ludźmi, którzy też od razu ją wymyślają. Bez wspólnego języka, wspólnego zrozumienia, byłby chaos. Potrzebujemy przynajmniej kilku zasad, aby całość nie wymknęła się spod kontroli.

Nie zapominaj też, że zasady nie pochodzą od Boga - istnieją, ponieważ muzycy z biegiem czasu odkryli, że pewne rzeczy działają dobrze. Wiele piosenek Beatlesów ma tę samą formę zwrotka-refren-zwrotka-refren-most-zwrotka-refren. Czy to dlatego, że Jan i Paweł nie byli kreatywni? Nie, to dlatego, że znaleźli coś, co naprawdę im pomogło. Jak wiele osób zauważyło, Mozart, Haydn i Beethoven (wcześniej w swojej karierze) wszyscy pisali utwory o zasadniczo tej samej formie, zwanej później formą „sonatową”. Ale w czasie, gdy Mozart komponował, nie wiedział o formie sonatowej, po prostu wiedział, że pewne rzeczy działają u niego - dopiero dużo później ludzie tacy jak Czerny przeanalizowali jego muzykę i znaleźli te same formy, które były używane na i więcej.

Beethoven jest tu właściwie świetnym przykładem: w swojej wcześniejszej karierze podążał za formami mistrzów kompozytorów, których podziwiał najbardziej, a mianowicie Mozarta i Haydna (w rzeczywistości jako dwudziestolatek studiował u Haydn). Kiedy był starszy, odkrył, że te formy nie działały tak dobrze, aby wyrazić to, co próbował wyrazić, więc zaczął od nich odbiegać i początkowo napotkał opór ze strony publiczności, która myślała, że ​​postradał zmysły. Ale jego muzyka była tak fascynująca, tak pełna inteligencji i uczuć, że w końcu się pojawili. W późniejszym okresie swojej kariery próbował kilku naprawdę szalonych rzeczy, ale to zadziałało, ponieważ doskonale wiedział, co robi.

Chodzi o to: oczywiście nie musisz przestrzegać żadnych konkretnych formy muzyczne, jeśli nie chcesz. Ale to nie znaczy, że nie możesz być kreatywny w formie. W rzeczywistości możesz nawet skończyć z tworzeniem własnych form muzycznych, nawet nie wiedząc w danym momencie, że to robisz.

Dodatek: O wartości estetycznej

Po ponownym - czytając twoje pytanie i niektóre komentarze, czuję się zmuszony do rozwinięcia czegoś. Mówisz:

Czy nie jest prawdą, że tworzymy muzykę tylko ze względu na jej walory estetyczne?

Odpowiedź brzmi: „Tak, ale”. Co to jest „wartość estetyczna”? Mam wrażenie, że w tym kontekście wartość estetyczną rozumie się jako po prostu „ładnie brzmi”. I myślę, że to w porządku, ale nie o to mam wartość estetyczna. Mówisz, że ludzie

[utwór muzyczny] mógłby się spodobać tylko ze względu na jego walory estetyczne , a nie na podstawie analizy muzycznej i technicznej

ale uważam, że techniczne i muzyczne aspekty są równie ważne dla mojego ogólnego poczucia wartości estetycznej utworu niż tylko to, jak pięknie brzmi. Te aspekty zwiększają moje zrozumienie i wzbogacają moje uznanie dla utworu muzycznego. Rzeczywiście, można znaleźć wielką wartość estetyczną w muzyce, która wydaje się brzydko brzmiąca.

Słuchaj, jesteś programistą, prawda? Wyobraź sobie, że masz dwa fragmenty kodu, z których oba mają tę samą funkcjonalność, ale jeden jest kodem spaghetti, a drugi jest czysty, dobrze zorganizowany, modułowy, wszystkie te dobre rzeczy - cóż, ma wartość estetyczną ten drugi kod, prawda? Nawet jeśli efekt końcowy jest taki sam? Użytkownik końcowy może nigdy nie zauważyć różnicy, ale każdy, kto czyta kod, od razu zauważy, że jeden ma większą wartość estetyczną niż drugi.

Chodzi mi o to: są wartości estetyczne w technice. Sposób, w jaki kompozytor radzi sobie z problemami, jakie stwarza określona forma muzyczna, może być bardzo piękny. Jeśli nie chcesz czuć się ograniczony przez określoną formę muzyczną, cóż, nikt nie zmusza cię do pisania muzyki w określony sposób. Ale w muzyce jest (przynajmniej może być) o wiele więcej niż tylko to, jak pięknie brzmi. < / rant>

Z pewnością nie powinieneś czuć się ograniczony do konwencjonalnych form muzycznych. Wszystkie formy opisane w artykule w Wikipedii, do którego prowadzi link, zostały wymyślone przez kogoś; możesz dowolnie wymyślać własne. Lista w artykule w Wikipedii jest niekompletna.

Należy jednak pamiętać, że ludziom podoba się znajomość pewnych form.

Aby użyć analogii poezji z artykułu, jeśli napisz

Twinkle, twinkle little star

Jak bardzo się zastanawiam, kim jesteś

Ponad światem tak wysoko

Jak duża lampa

... ostatnia linijka prawdopodobnie będzie niezadowalająca dla większości ludzi, ponieważ nie pasuje do rymowanego wzoru ani do oczekiwanej przez nich skali.

Jednak istnieją wiersze napisane wolnymi wierszami, które być może nie są tak popularne, ale na tyle popularne, że można je uznać za klasyki. Ludzie, którzy kochają te wiersze, naprawdę je kochają.

Podobnie, jeśli zagrasz akord prymy, po którym następuje czwarty, potem znowu pryma, potem kwinta, a potem czwarta ... wielu słuchaczy poczuje się nieswojo, jeśli nie powrócisz do korzeni, czego spodziewały się doświadczenia.

Oczywiście obalenie oczekiwań może być bardzo skuteczne i zależy od Ciebie i swoją publiczność, aby znaleźć właściwą równowagę między spełnianiem oczekiwań a brakiem kreatywności.

Jest powód, dla którego tak dużo rocka i popu podąża za przewidywalnym wzorcem zwrotki, mostu, refrenu, jednego z kilku powszechnych porządków. Pociesza to mainstreamowych odbiorców.

Z tego samego powodu są tacy, którzy nazywają wszystko, co ma taki wzór, leniwymi i nudnymi.

Odpowiedź Slima jest bardzo dobra; oba podejścia mają wady i zalety. Chciałem jednak dodać, że podążanie za określoną formą może być trudne i interesujące, a tak naprawdę może dodać do piękna i innych aspektów piosenki poza to, co można zrobić, ignorując je.

Na przykład, ktoś, kto jest naturalny w pisaniu czteroczęściowych piosenek rockowych, może nigdy nie wymyślić solowego utworu na skrzypce. Jednak studiując klasyczne utwory skrzypcowe i eksperymentując z używanymi przez nie formami, mogliby stworzyć coś wspaniałego. A ich nowa wiedza może pomóc im w komponowaniu piosenek rockowych.

Są też kompozytorzy, którzy nie potrafią pracować poza ramami. Bez jakiegoś punktu odniesienia może być trudno skonkretyzować swoje pomysły.

Wreszcie istnieje również piękno, które można znaleźć w techniczności. Jeśli chodzi o granie, czasami, kiedy słyszysz, że grasz „ekspresyjnie”, to naprawdę oznacza, że ​​masz złe wyczucie czasu. Ten sam pomysł można rozszerzyć na kompozycję. Piękno i wyrazistość są całkowicie subiektywne i nie widzę powodu, by wierzyć, że to, co lubię i wolę, powinno rządzić.

Jeśli nie stosujesz się do żadnego istniejącego formularza, tworzenie go od nowa staje się dla Ciebie obciążające. Bez formy będziesz miał prawdziwe trudności z uczynieniem utworu możliwym do słuchania poza określoną długością. Tak samo jest z programowaniem. Poza kilkoma tysiącami wierszy brak struktury sprawia, że ​​całe przedsięwzięcie jest nieporęczne.

Dlatego bardzo przydatne jest nauczenie się , jak postępować w tej lub innej formie, aby ukraść niewiele kawałki struktury.

Np. Miałem mały gitarowy riff, który był bardzo chwytliwy. Możesz przyspieszyć, spowolnić, dodać drony, linie prowadzące. Ale nie mogłem, za całe moje życie, sprawić, by nigdzie się nie udał . Kiedy w końcu zacząłem się zastanawiać, dlaczego, teoria wskazała mi drogę. Riff był zasadniczo 2-taktową sekwencją akordów: I / / / | V / / /. Nie mogłem zacząć nowej frazy (most / refren / cokolwiek "innego, ale tego samego") na V, ponieważ już tam byłem. Musiałem więc wykraść fragmenty z innych form: zwodniczej kadencji lub „siedzenia” na I po raz ostatni (kilku powtórzeń binarnych) [ta faktycznie umożliwia „nową frazę na V”].

Z drugiej strony bardzo interesujące może być rozpoczęcie podążania za formą, a następnie radykalne odejście od niej. Dlatego uznasz, że warto być świadomym formami, abyś mógł dokonywać świadomych wyborów, kiedy podążać, kiedy przewodzić.

Innymi słowy, Znajomość Form to klej, który wkładasz pod buty, aby stanąć na ramionach gigantów.

Podoba mi się kilka odpowiedzi tutaj i dodam moje dwa centy.

Forma muzyczna to ograniczenie, które zdecydowałeś się przyjąć podczas komponowania.

Może to być postrzegane jako złe, ale może uwolnić twój umysł do zbadania innych pomysłów, które po prostu nie przyszłyby ci do głowy, gdybyś podążał za tym, co „brzmi dobrze”. Uważam, że formy muzyczne mogą tłumić kreatywność, ale tak samo jak zwykłe granie i wybieranie tego, co uważasz za dobre, w większości przypadków po prostu powrócisz do swoich starych ulubionych pomysłów.

Jak wskazał Matthew w jego odpowiedzi wyjście ze strefy komfortu może pomóc mu skomponować coś dobrego. To jest piękno odkrywania i studiowania, będziesz w stanie wprowadzać innowacje (o ile pozostaniesz otwarty, jak sądzę).

Świetny gitarzysta imieniem Dave Weiner, zapytany o to, czy najlepiej przeszukiwać nuty samodzielnie, czy używać trybów skali do komponowania, powiedział (parafrazując), że „tryby to skróty, które mogą oszczędzić Ci poszukiwań” i uważam to za bardzo prawdziwe.

Próbuję więc powiedzieć, że „czucie”, estetyka, technika i formy to narzędzia, których możesz użyć do komponowania. Różni ludzie polubią jedne bardziej niż inni, ale nie radzę lekceważyć żadnego z nich z tego czy innego powodu.

To fajny zestaw odpowiedzi, dziękujemy za opublikowanie pytania. Oto mój wkład.

Po pierwsze, forma jest wszędzie w muzyce i ogólnie komunikacji - forma to informacja. Zaczyna się to, jakie instrumenty wybrałeś i jak na nich grałeś - skale diatoniczne i mikrotonalne, strojenie, wysokości itp.

Formy muzyczne zapewniają strukturę czasową i / lub harmoniczną, która pozwala na dłuższą produkcję prace, które są większe niż suma ich części, na przykład forma binarna z powtórzeniami: AABB. Sam fakt, że powtarzasz, może zwiększyć przyjemność słuchacza z pracy.

Wygląda na to, że pytasz więcej o tradycyjne zachodnie formy w kontekście tworzenia muzyki solowej, a nie wieloczęściowej. Myślę, że w pracy solowej ścisłe trzymanie się określonej formy może być nieco mniej ważne; naprawdę swobodne utwory mogą być długie i piękne, ale jest to bardziej improwizacyjne podejście do tworzenia muzyki niż kompozycyjne. Można argumentować, że sama improwizacja jest formą z pewnymi regułami lub kliszami, które są implicite rozumiane przez gracza i publiczność. Jeśli improwizujący gracz i publiczność nie mają tego samego zestawu ukrytych rozumień, wynik może być mniej niż optymalny dla obu stron.

Użyteczność określonej formy zależy od tego, co grasz. W przypadku fletu prostego powtórzenia tematu melodycznego są tradycyjnie uprawnione do wykazania kreatywności i być może technicznej wirtuozerii z umniejszeniami lub wariacjami (AaBb), napisanymi lub improwizowanymi - por. Van Eyck. Gitarzyści, mając do dyspozycji akordy, mogą zacząć od gruntu, takiego jak passomezzo lub standardowa 12-taktowa progresja bluesa, a następnie zastosować do tego pomysły melodyczne, ponownie improwizowane lub spisane. W każdym przypadku wybrana forma jest przydatna zarówno dla muzyka, jak i dla publiczności.

Jeśli zamierzasz śpiewać i grać, forma jest jeszcze ważniejsza, ponieważ chcesz, aby piękno wynikało z tego, co śpiewasz (prawdopodobnie słowa) z tym, co grasz. Dlatego należy wziąć pod uwagę formę i reguły mowy, poezji itp. Wydaje się, że ludzie nie znajdują wiele piękna i przyjemności, gdy to się nie dzieje lub jest celowo ignorowane, szczególnie w przypadku wokali, chyba że się tego spodziewamy (tj. W większej formie dobrze nagłośnionego koncertu postmodernistycznego). muzyka).

Odpowiadając na twoje pytanie bardziej bezpośrednio, wydaje mi się, że forma jest niezbędna dla twórczości muzycznej, a zrozumienie stosowanych przez ciebie form daje większą szansę na stworzenie czegoś, z czego jesteś dumny. W naszej zachodniej tradycji niektóre formy i techniki lepiej nadają się do kompozycji solowych niż inne, a ich dokładne zrozumienie wzbogaci Twoje kompozycje, nawet jeśli zdecydujesz się je nieco nagiąć.

Do pewnego stopnia nie tyle podążamy za formularzem, ile używamy go jako modelu. Wszystkie formy dopuszczają pewną zmienność (losową lub systematyczną). Aby skorzystać z poprzedniej ilustracji, Lewis Caroll zmienił

Błysk, mrugnij, mała Gwiazdo. Jak się zastanawiam, kim jesteś. Bat. Jak ja się zastanawiam, gdzie jesteś.

Oto krótka odpowiedź, ale myślę, że jest wystarczająca. I jest to odpowiedź, której udzielałem już wcześniej kilka razy.

Teoria, opisuje, nie nakazuje.

Teoria mówi ci, co okazało się skuteczne. Nie mówi ci, jak MUSI to być zrobione.

Powiedziawszy to - jako programista komputerowy @Saeed Neamati doceni różnicę między stroną złożoną z bezkształtnego kodu a programem strukturalnym. Niestrukturalny kod może zawierać genialny algorytm! Ale jeśli nie jest to bardzo krótki program, potrzebuje wsparcia struktury.