Pierwszym i najważniejszym sposobem nauczenia się odczuwania muzyki jest jej granie. Nie „ćwicz”, nie „graj”, ale „graj”. Kluczowa różnica między dwoma pierwszymi a drugimi polega na tym, że te pierwsze mają zazwyczaj ściśle określony cel. Zabawa ma mniej bezpośredni cel, a bardziej obserwowanie tego, co się dzieje.

Drugą najważniejszą częścią nauki odczuwania muzyki jest wyjście na miasto i słuchanie muzyki z tego gatunku. Jestem pewien, że już to robisz, ale warto podkreślić, jakie to istotne. Jest słynny utwór muzyki rosyjskiej, który starał się powtórzyć ruch American Jazz (edycja: zapomniałem nazwy, ale znalazła go najdoskonalsza tajemnica margalo: Jazz Suite No. 1 autorstwa Dmitri Shostakovic). Jak wyjaśniono, rosyjski kompozytor nigdy nie słyszał American Jazz, ale zdobył kilka jazzowych partytur i zgadł, jak brzmi American Jazz. Nie był nawet blisko!

Teraz, jeśli mogę wyrazić opinię, czuję, że niedoskonałości są tym, co nadaje temu utworowi charakter. Wykwalifikowany muzyk bierze niedoskonałości w ich wykonaniu i wplata je z powrotem w muzykę tak płynnie, że trzeba się zastanowić, czy rzeczywiście były to niedoskonałości! Wiele stylów tak bardzo skupia się na określonych niedoskonałościach, że zaczynają nabierać charakteru muzyki.

Więc śmiało i pozwól instrumentowi mieć coś do powiedzenia w kwestii dźwięku. Jeśli struna gitary jest nieco rozstrojona, zamiast zatrzymywać ją i ponownie stroić, może pobawić się dźwiękiem. Może instrument zasugeruje zakręt, w którym nigdy nie przyszło Ci do głowy, aby spróbować swoich sił. A może ze względu na szczęście, ten konkretny niestrojony ciąg pozwala ci wykonać akord intonacyjny, taki jak w kwartetach fryzjerskich, i możesz usłyszeć głos anioła rozbrzmiewający nad nimi (nigdy nie usłyszysz tego dźwięku z tradycyjnie nastrojonym fretted insturment). Niech środowisko ma coś do powiedzenia. Jeśli jest deszczowo, zobacz, jak zbieranie danych współgra z dotknięciem stuknięcia w szybach okiennych. Jeśli jest grzmot, masz darmową ścieżkę basową do gry. Jeśli któryś z twoich dźwięków wypadnie z rytmu, nie przestawaj ... sprawdź, czy możesz wziąć tę nutę i opowiedzieć z nią historię, obracając ją w muzyczną przygodę, aby ponownie nadać tempo. Występując dla innych, nie graj dla nich dla , lecz z nimi. Uważaj na ich oczy. Wkrótce twoje palce zaczną zdawać sobie sprawę, że potrafią robić rzeczy, które robią wrażenie na publiczności, o których nigdy nie myślałeś, że potrafią (a na pewno rzeczy, które nigdy nie zostały zapisane w partyturze!)

Twój trening matematyczny zapewnia solidną rusztowanie, z którego wplata się uczucie w muzykę. Nie bój się oddalać się bardzo daleko od swojej strefy komfortu i po prostu ufaj, że kiedy dojdzie do popychania, rusztowanie będzie tam, aby Cię złapać.

Zgadzam się z innymi odpowiedziami i mam nadzieję, że moje uzupełnią i wzmocnią ich słowa ...

Sugerowałbym zdefiniowanie dwóch różnych rodzajów ćwiczeń:

1. Ćwiczenia wiertnicze
2. Ćwiczenie gry

W ćwiczeniu wiercenia skupiasz się na drobnych szczegółach wykonania i tutaj często zatrzymujesz się i zaczynasz od nowa . Ale w tego typu ćwiczeniach zawężasz również zakres tego, co grasz. Często jest to tylko takt lub część taktu, nawet pojedyncza nuta lub akord. Ale granie całej piosenki w tym trybie jest nieekonomiczne.

I odwrotnie, podczas ćwiczenia gry próbujesz przygotować się do właściwego wykonania. W końcu chcesz przejść przez kilka piosenek, jak mały koncert. Ale w przypadku każdej piosenki nie zatrzymujesz się na błędach, starasz się wrócić na właściwe tory i iść dalej. Zapisujesz w pamięci miejsce, w którym się potknąłeś, a ta miara lub fraza stanie się później częścią twojej praktyki wiertniczej. Ale w tym trybie nie zatrzymujesz się i nie uruchamiasz. Przejdź do końca utworu.

Teraz te dwa tryby ćwiczeń różnią się oczywiście sposobem, w jaki należy do nich podejść, ale także wynikami, jakie uzyskujesz. Wiercenie może być wyczerpujące , ale granie (aktualnej) ulubionej piosenki od początku do końca powinno być dodające energii, nawet bez publiczności. Więc jeśli zorganizujesz swoją praktykę gry na gitarze wokół wyważenia tych dwóch trybów, złagodzi to lub nawet odwróci „nudność” ćwiczenia (wiercenia) (tylko).

Uwaga, to nie jest wyczerpująca lista sposobów ćwiczenia, zaniedbanie czytania (i wizualizacji) praktyki, improwizacji i innych.

Edycja: Czytając to później, myślę, że improwizacja jest prawie tak samo ważna jak te dwie pozostałe. Szczególnie w odniesieniu do tego, co się dzieje, gdy popełnisz błąd .

W praktyce wiertniczej błąd jest zły i robisz to jeszcze raz lub analizujesz, co się dzieje.

A w praktyce wydajnościowej starasz się minimalizować błędy. Nie rób miny. Nie przeklinaj. Szybko, weź to z powrotem.

Ale improwizacja uczy trzeciego sposobu reagowania na „błąd”: posłuchaj go.

Jak to brzmi? Gdzie ma iść melodia, jeśli tak się stanie? Grając solo w jazzie, obowiązuje zasada:

• Jeśli popełnisz błąd, zagraj go dwa razy!

Jeśli to jest też trudno pozwolić błędowi kłamać i kontynuować piosenkę, gdy próbujesz ją odtworzyć; następnie zalecam mocną dawkę improwizacji, aby przerwać automatyczną reakcję na błędy , które popełnia twój mózg.

Perfekcjoniści są czasami swoim największym wrogiem! Podczas nauki utworu nie zaczynaj ponownie od początku. Moja analogia jest taka, że ​​właśnie wyczyściłeś duże okno i nadal widzisz na nim plamkę. Czy chciałbyś ponownie wyczyścić całe okno?

Do pytania. Muzyka jest matematyczna na wiele sposobów, ale jej wykonanie prawdopodobnie nie jest. Chęć osiągnięcia doskonałości jest godna pochwały, ale także nierealna. W rzeczywistości często po koncercie zespół, w którym grałem, mówił, że wszystko jest idealne, ale publiczność była letnia; kolejna noc, wiele głupich małych błędów, a publiczność pokochała występ. Dziwne!

To, do czego zmierzam, to - wszyscy popełniamy błędy, a częścią bycia dobrym muzykiem jest życie z tym, którego właśnie stworzyłeś, i zrobienie czegoś z tym - z pewnością kontynuuj grając i nie przestawaj! Zwykle obwiniam basistę - chyba że jestem basistą na tym koncercie ... Jeśli znajdziesz jedną lub dwie inne osoby do gry, tak, naucz się kilku rzeczy dosłownie, ale także po prostu jamuj i zobacz (i posłuchaj!) na zewnątrz. Słuchaj, czuj, ciesz się.

Z pewnością tego nie popieram, ale tak wielu graczy używało substancji i myślę, że jednym z produktów tego jest utrata zahamowań, więc po prostu grali . Brak samoświadomości podczas gry nie jest dla niektórych łatwy do osiągnięcia, ale jest to bardzo ważne.

Jeśli kiedykolwiek studiowałeś poezję, nauczyłeś się o metrum i rymie. Być może dowiedziałeś się również o kadencji. Te rzeczy tworzą rytm. Muzyka to poezja. Teksty mogą pomóc stworzyć nastrój i emocje. Rytm (tempo i rytm) również stanowią część „odczucia” muzyki. Przyczynia się również do tego barwa (wymawiana „tamber”) instrumentów i głosów.

Przestudiuj te rzeczy i zwróć uwagę na różnice między piosenkami.

Również taniec (lub wyobrażanie sobie, jak tańczysz) do muzyki pomoże ci ją „poczuć”.

Myślę, że odpowiedziałeś na swoje własne pytanie. Wspomniałeś, że nie chodzi o perfekcjonizm. Zgadzam się. Wspomniałeś również, że twoje ucho potrzebuje treningu. Oto twoja odpowiedź. Zastosuj swoje nawyki praktyki perfekcjonizmu do treningu ucha. Kiedy usłyszysz dźwięk w swojej głowie, a następnie go odtworzysz, będziesz mógł mniej polegać na muzyce i dodać więcej ekspresji. Aby ćwiczyć umiejętności słuchowe, myśl kategoriami sprzętu. Masz oczy, palce, uszy, głos i mózg. Oczy i uszy są bodźcem, a palce i głos są wydawane, a mózg przetwarza i tworzy. Musisz ćwiczyć wprowadzanie przez oczy (widzenie muzyki i wiedząc, jak brzmi) wypuszczanie przez palce (pisanie lub odtwarzanie muzyki słyszanej w mózgu). wreszcie śpiewanie muzyki.

To właściwie dodaje krok pomiędzy twoim obecnym procesem oglądania nut i kojarzenia go bezpośrednio z pozycją palca, ale to dobrze. Chcesz mówić o muzyce, więc myśl o muzyce jako języku. Twój obecny proces jest równoważny zobaczeniu zdania na stronie i umiejętności wpisania go na komputerze, a komputer wypowie je za Ciebie. Musisz przeczytać zdanie, wiedzieć, co to znaczy, wypowiedzieć je na głos, a następnie odtworzyć je na urządzeniu. Gdy będzie to lepsze, możesz zacząć przeformułowywać zdania i tworzyć własne.

Jeśli chodzi o perfekcjonizm, nie martw się o to. Bądź tak perfekcjonistą, jak chcesz. Jednak skonsultuj się z ludźmi, nauczycielami lub metodami, aby upewnić się, że jesteś na dobrej drodze. Jednakże radziłbym nie przerywać gry, jeśli popełnisz błąd, ćwicząc granie przez utwór. Jeśli ciągle to robisz, tego się uczysz. Nauczysz się zatrzymywać w mgnieniu oka. Jeśli masz problem z odtwarzaniem czegoś, wyodrębnij to i udoskonal, a następnie włącz w całość. Ale kiedy ćwiczysz granie całego utworu, ćwicz go do końca. Ludzie często zatrzymują się i zaczynają od nowa w sytuacji występu, jeśli popełnią błąd, ponieważ to właśnie ćwiczyli, zamiast popełniać błąd i grać przez niego i dokończyć utwór, co jest lepsze.

Jestem także matematykiem grającym na gitarze. Zacząłem grać na poważnie pod koniec życia. Czułem to, co czujesz, a potem trochę więcej. Jest taka mała książka, która zmieniła całe moje podejście do gitary, muzyki i życia w ogóle: „Zen Guitar” Philipa Toshio Sudo. Być może znajdziesz w niej sposób na odpowiedź, której szukasz.

Radzę włączyć muzykę i zatańczyć do niej, ale w bardzo szczególny sposób.

Najpierw skoncentruj się na stopach, postaraj się, aby stopy reagowały i poruszały się do dźwięków. Po kilku minutach skup uwagę zamiast tego na kolanach. Po trzecie, biodra. Po czwarte klatka piersiowa i ramiona. Piąte łokcie, szóste ręce i palce, wreszcie głowa.

Może to brzmi głupio, ale oto teoria, która się za tym kryje.

1) Dźwięki i muzyka mają elementy, które sugerują ruch i poruszające się obiekty. Ale poruszające się obiekty różnią się masą i pędem, więc różne dźwięki będą sugerować różne obiekty w ruchu. Izolując części ciała, w naturalny sposób będziesz miał tendencję do dopasowywania różnych instrumentów, których „gesty muzyczne” najlepiej pasują do rodzajów ruchów możliwych dla przedstawionej części ciała.

2) Ruch i emocje są ze sobą ściśle powiązane. Poświęcając czas na podnoszenie świadomości ruchów sugerowanych przez linie muzyczne i partie, będziesz o krok bliżej do usłyszenia emocji sugerowanych przez te partie i stworzysz fizycznie odczuwalny repertuar, z którego możesz czerpać.

Na przykład kołysanie i kołysanie dziecka jest zarówno szczególnym ruchem, jak i ma pewne konotacje dla emocji, ciepła i komfortu. Porównaj to z kanciastą, mocną melodią, powiedzmy, Jazdy Walkirii.

Ćwiczenie taneczne wykonywałem co tydzień na zajęciach przez kilka miesięcy i wywarło to na mnie duży, pozytywny wpływ. zwłaszcza, że ​​nie byłam osobą, która generalnie okazywała wiele emocji i nie była tak dobrze związana z własnym ciałem. Nie pamiętam nazwiska nauczyciela ani czy ta metoda miała nazwę. To było dość dawno temu. Z pewnością można to zrobić w zaciszu własnego domu i nadal mieć to pomocne.

Jeśli nie jesteś emocjonalnie związany z muzyką, sposobem na kontynuowanie nie jest wkładanie w nią uczucia, ale włączenie muzyki do muzyki.

Są zdania, które proszą o wzmocnienie z powodu zakończone jakąś rozdzielczością wysokości tonu lub harmoniczną. Taka intensyfikacja jest kwestią subtelnych zmian szybkości, artykulacji, frazowania.

Masz analityczne podejście, więc nagraj siebie i posłuchaj nagrania. Jak myślisz, gdzie muzyka skorzystałaby na nadaniu jej trochę więcej własności?

Oczywiście są różne style muzyczne, które w różny sposób nadają się do tego podejścia. Hard rock, trash metal, punk mają bardziej wrodzony brak ekspresji u artysty niż muzyka barokowa.

Więc jeśli nie możesz znaleźć muzyki „to ty”, to skupienie się na znalezieniu muzyki „to jest to”.

Granie takiej muzyki może nie być emocjonalne , ale może być satysfakcjonujące .

Improwizowanie na poziomie, na którym nie grasz przypadkowych nut w rozkładzie odpowiednim do dopasowania skali, nie jest umiejętnością niskiego poziomu ani uczenia się na pamięć. Edukacja muzyki klasycznej całkowicie pomija ten punkt i szczególnie trudno jest usystematyzować w sposób, w którym można by użyć tego samego materiału dydaktycznego dla dużej grupy uczniów.

Jeśli właśnie tam chcesz, nie poradzi sobie bez pracy jeden na jeden z nauczycielem specjalizującym się w tej dziedzinie.

Już jesteś o krok do przodu i nie zdajesz sobie z tego sprawy. Wiesz, co brzmi dobrze i dlaczego brzmi dobrze, teraz wystarczy to zastosować. Radzę, abyś wybrał muzykę, która jest tylko melodią i akordami, i zmusić się do wymyślenia, jak ją zagrać. Zmusza do myślenia o zabawie z uczuciem. Możesz czerpać inspirację z innych piosenek, które znasz, ale ostatecznie to tylko Ty.

Zacząłem grać na gitarze kilka lat temu

Więc zasadniczo nadal jesteś początkującym muzykiem. Trochę się nauczyłeś i zdobyłeś prawo do podsumowania i zadawania sobie pytania „co z tego mam?”.

Jestem pewien, że masz mnóstwo intelektualnej przyjemności od uczenia się tego, co masz do tej pory, ale wygląda na to, że zauważyłeś, że nie czerpiesz „muzycznej” przyjemności z czynności, które wykonujesz.

Po pierwsze, aby zagrać adwokata diabła, nie zmuszaj się do kontynuowania muzyki, chyba że znajdziesz coś, co będzie zabawne. Wolę jeść jedzenie niż gotować. Może wolisz słuchać muzyki niż ją odtwarzać. Żaden problem.

Jeśli masz niejasne przeczucie, że chcesz kontynuować, ale nie jesteś pewien z czym, może to oznacza, że ​​powinieneś wykonać inne czynności, a nie te, które robisz teraz? Z pewnością rzadko lubiłem grać muzykę z nut - gdy tylko przyszła mi do głowy taka myśl, przestałem to robić, zacząłem pisać własną muzykę i prawie nigdy więcej nie spojrzałem na nuty. Nie oznacza to, że powinieneś robić to samo, ale musisz być szczery w tym, co lubisz.

Wystarczy wybrać kilka przypadkowych rzeczy ...

Jestem perfekcjonistą; mały błąd oznacza zwykle rozpoczęcie od nowa.

Aby ukraść analogię programowania, powinieneś być w stanie grać zarówno w trybie „debugowania”, jak i „wydania”. w trybie „debugowania”, gdy popełnisz błąd, na pewno - wykonaj kopię zapasową, dowiedz się, dlaczego popełniłeś błąd, zwolnij, poćwicz to kilka razy. Ale musisz też umieć to „wysłać” (tryb wydania) i wykonać - oznacza to, że musisz obsługiwać te wyjątki i kontynuować pracę.

A najlepszym przykładem jest to, że kiedy próbuję aby zagrać na jakimś podkładzie przeznaczonym do improwizacji, w końcu wybieram losowo nuty, zamiast czuć, co gram.

Więc doszedłeś do wniosku, że losowe wybieranie nut ze skali tak naprawdę nie działa jako sposób na tworzenie fascynującej muzyki. Dlaczego nie zacząć patrzeć na kilka melodii, które lubisz, i zastanowić się, co tak naprawdę w nich sprawia, muzycznie? Jeśli lekcje, których się uczysz, są zbyt trudne do zastosowania w praktyce (improwizacja), zwolnij i zrób trochę kompozycji.

Jest to również wzmocnione przez fakt, że potrzebuję trochę praktyki, aby poczuć rytm (np. podczas grania na podkładzie) i ogromne problemy z jego przekazaniem (na przykład, jeśli gram fingerstyle , moje akcenty to zwykle wygoda palca, a nie coś, co przekazuje rytm).

Trudno mi doradzić w tej sprawie - moje umiejętności `` czucia tego '' zawsze wyprzedzały zdolność moich palców do tego, by go położyć! Myślę, że jest kilka dobrych rad w innych odpowiedziach (lubię „ taniec”) i innych pytaniach na stronie.

W wielu stylach rytm jest naprawdę kluczowy. Jeśli czujesz, że zaniedbałeś swoje umiejętności rytmiczne, dlaczego nie odłożyć gitary i nauczyć się grać na perkusji przez kilka lat?

Zasadniczo udało mi się przekształcić grę ze sztuki w matematyczną rutynę , gdzie każda nuta jest liczbą w równaniu.

Nie ma w tym nic złego. Wielu muzyków i innych twórców mocno systematyzuje swoją twórczość. Chodzi o to, aby zawsze rozszerzać swoje równania, aby móc tworzyć nowe rzeczy. Przygotuj się także na oduczanie się rzeczy, jeśli nie dają one oczekiwanych wyników. Na przykład wygląda na to, że w jakiś sposób wpadłeś na pomysł, że najważniejszą rzeczą podczas grania jest pozostanie w określonej skali. Okazało się, że to nie daje dobrych wyników? Dobry! Możesz teraz odłożyć ten pomysł na bok.

Paul Przeczytałem wszystkie odpowiedzi i myślę, że mógłbym powiedzieć coś inaczej. Proponuję to samo, co JOMKI, jeśli chodzi o radę do śpiewania. Naprawdę musisz śpiewać, aby zrozumieć i uwzględnić względną tonację. Musisz śpiewać głośno i w głowie przez cały dzień. Po pierwsze, chcesz skupić się na skalach głównych i mniejszych. Powinieneś zaśpiewać melodie piosenek, które grasz na instrumencie. Ale to naprawdę nie wystarczy. Musisz nauczyć się podstawowych progresji harmonicznych, śpiewać i włączać dźwięki do skali. Następnie musisz grać własne małe piosenki. Nie muszą trwać 3 minuty. Po prostu graj z pewnymi progresjami (może zacznij od I-IV-VII-III7_VI_II-V lub II-V-I) i śpiewaj różne melodie z tymi samymi progresjami. Po prostu poczuj każdą nutę, którą grasz. Idź powoli, ale uważnie. Następnie zacznij tworzyć bardziej zaawansowane harmonie, takie jak dominanty drugorzędne, a na koniec to, co naprawdę da ci całą bibliotekę uczuć, to wymiana modalna. Pomoże Ci to również uwzględnić więcej innych, bardziej podstawowych rzeczy. Po prostu zaśpiewaj to wszystko grając na akordach na swoim instrumencie. Uwzględnij ton każdego uczucia, każdy akord, każdy ton akordu. Zidentyfikuj je, gdy słyszysz, i usłysz to w swojej głowie przed odtworzeniem.

Nie używaj konwencjonalnych instrumentów, takich jak gitara i fortepian, chyba że chcesz torturować się nudną pedagogiką XII-wiecznej muzyki kościelnej lub zapamiętać śmieszne mnemoniki, takie jak „wszystkie krowy jedzą trawę”.

Używaj syntezatora , dużo bardziej matematycznie, możesz nawet zająć się matematyką za cyfrowym przetwarzaniem sygnału. Jest wiele syntezatorów wolnego oprogramowania, takich jak ten http://tytel.org/helm/. Powiedziałeś, że jesteś programistą, może potrafisz napisać własne oprogramowanie, które generuje nowe i zabawne dźwięki.

Ponownie, wyrzuć tę gitarę.