Zawsze postrzegałem solówkę na gitarze w stylu rock / pop jako o napięciu i uwolnieniu .

Chcesz osiągnąć punkt kulminacyjny, z dowolną kombinacją szybkości i frazowanie i wybór nut, które wykraczają nieco poza strukturę akordów, a następnie uwolnij to napięcie, rozwiązując coś, co jest kluczowe dla melodii utworu lub przynajmniej zmian akordów, nad którymi grasz.

Wiem wiele osób harfuje na Phish za to, że są nieco pobłażliwe w swoich solowych przerwach, ale można się wiele nauczyć, słuchając jednego z ich lepszych jamów, jeśli chodzi o stworzenie świetnej kompilacji, a następnie wydanie, które przywraca słuchaczowi melodię i ponownie osadza ich w oryginalnej piosence.

Solówki Treya zwykle rozpoczynają się od pewnych dość kieszonkowych linii melodycznych, zwykle powtarzających wspólną melodię wokalną. Nic trudnego dla uszu, wszystkie nuty dość zgodne. A potem wprowadza zakręty i szybkie nuty, które wychodzą „poza” tonację - rzeczy, które wisi, dysharmonijne, w powietrzu przez krótki czas, zanim wrócą do rzeczy kluczowych, na melodię. Będzie kontynuował to podejście przez całą solówkę, coraz bardziej wychodząc „na zewnątrz” dla dłuższych dźwięków, a następnie przywracając to do czegoś w tonacji. Sięgając po szyję do wyższego rejestru, dodając więcej nut do odgrywanych fraz. A kiedy solówka się rozwiąże, cały zespół wróci do czegoś, co jest na temat, do wszystkiego w tonacji, i po prostu będzie dobrze w twoich uszach.

Napięcie, uwolnienie.

Nie można na to odpowiedzieć, ponieważ muzyka jest estetyczna i wszędzie można znaleźć solówki, które łamią wszelkie ustalone przez Ciebie zasady. Możesz przyjąć kilka ogólnych zasad, ale w wielu przypadkach również one zawiodą. Możesz ogólnie zorientować się, jak niektórzy ludzie „grają solo” i spróbować ich skopiować.

W każdym razie wytyczne są takie:

1. Każda fraza w solowej powinien mieć pojedynczą kulminację i tylko raz podkreślać najwyższą nutę. To jest tak, że faktycznie wydaje się, że jest to punkt kulminacyjny. Do pewnego stopnia odnosi się to również do najniższej nuty.
2. Ogólnie rzecz biorąc, fraza solo osiąga punkt kulminacyjny pod koniec, wznosząc się do niej, a następnie szybko uwalniając napięcie, które narastało pod koniec frazy. Całe solo musi mieć również swój własny łuk, który osiąga punkt kulminacyjny pod koniec analogiczny do fazy.
3. Powtarzanie jest koniecznością (i prawie wszystkie dobre solo mają ten aspekt). Dzięki temu słuchaczowi przypomina się o tym, co grasz i ma czas na zrozumienie tego, co się dzieje. To właśnie ustawia pewne efekty psychologiczne.
4. Z oczywistych powodów zmienność jest koniecznością. Czasami są to proste upiększenia pomysłu.
5. Solo musi przekazać pomysł. To nie może być po prostu wypełniaczem, bo będzie nudne. Generalnie oznacza to, że solo musi uwzględniać cechy piosenki. Kluczowe cechy, takie jak linia wokalna, linia bazowa, refren itp. Coś pokazuje słuchaczowi, że pasuje do utworu. Czasami ma to również na celu kontrast z piosenką, ale zawsze musi w jakiś sposób pasować. np. w piosence rockowej nie wyszedłbyś na prowadzenie w kraju, chyba że ta piosenka rockowa w jakiś sposób to ustawiła (co byłoby trudne w zależności od tego, jak bardzo się od siebie oddalili)
6. Napięcie / uwolnienie. Punkt kulminacyjny nie jest nazywany punktem kulminacyjnym bez powodu. Wszystko ma związek z seksem. Jeśli pomyślisz o tym, co dzieje się w seksie i zastosujesz to do swojego solo, na pewno będziesz mieć dobre solo. Muzyka stymuluje mózg na wiele sposobów, ale dwa najważniejsze to język i ośrodki przyjemności. Które są ściśle związane z prokreacją. Opracowaliśmy język, aby rozmawiać z płcią przeciwną, abyśmy mogli łatwiej nabrać naszego dziwactwa. Możesz także postrzegać solo jako „seks”, jeśli sprawia, że ​​czujesz to bardziej.
7. Generalnie zarys melodyczny solówki powinien mieć charakter śpiewny. Ułatwi to zapamiętanie.
8. Solo powinno pasować stylistycznie i ogólnie powinno zaczynać się bardziej stonowane (znowu, seks ... nie chcesz mieć przedwczesnych solo, prawda?).
9. Trudno jest utrzymać zainteresowanie większości słuchaczy dłużej niż 20-30 sekund, więc nawet najlepsze solo może stać się męczące, jeśli trwa zbyt długo. Czasami skrócenie solówki może zintensyfikować kolejną część utworu.
10. Harmonijnie solówka powinna na ogół zaczynać się od przyzwoitej harmonijnej linii. Pozwala to słuchaczowi łatwiej uchwycić klawisz, a także pozwala na harmonijne zapuszczanie się dalej, ponieważ masz dobrą podstawę. Jeśli na początku pójdziesz na całość, jedyne miejsce, do którego możesz pójść, jest bardziej szalone i ostatecznie będziesz zbyt szalony dla swoich słuchaczy.

Kiedy tworzysz solo, naprawdę musisz dobrze rozumieć, dokąd prowadzi słuchacza i dokąd chcesz je zabrać. Czy ta bomba nurkowa naprawdę coś doda, czy to tylko strata czasu? Jeśli pozwolisz swoim emocjom przejąć stery i masz do powiedzenia cokolwiek pożytecznego, to automatycznie rozwiąże to wszystko za Ciebie. Jeśli zajmujesz się tym tylko mechanicznie, prawdopodobnie nie będziesz miał nic ważnego do powiedzenia i nie będzie to nic dobrego. Jeśli uprawiasz seks tylko po to, aby go uprawiać (tylko dlatego, że robisz to codziennie o 21:00, musisz to robić dzisiaj o 21:00), nie będziesz czuł tego tak, jak robiłeś to „pierwszy raz”, prawda? Cóż, za każdym razem musisz grać solo, jakby to był twój „pierwszy raz”.

Wiele lat temu, kiedy żył Duane Allman, album Allman Brother „At the Fillmore East (Live)” był określany jako jeden z najlepszych przykładów rozwijających się solówek w historii.

Na kiedy zajmowałem się teorią muzyki i grałem jazz w zespole scenicznym, więc szczególnie zainteresowało mnie, co takiego zrobili Allman i Dickie Betts, co skłoniło recenzentów do mówienia takich rzeczy.

W teorii muzyki, mówią o tworzeniu i uwalnianiu napięcia. Brak napięcia w muzyce prowadzi do muzyki, która nudzi słuchacza, na przykład najnudniejszej muzyki z wind, jaką kiedykolwiek słyszałeś. Muzyka, która jest totalnie napięta - coś, co swędzi skórę słuchacza i sprawia, że ​​chce uciec od złego dźwięku - jest równie zła, ponieważ słuchacz straci zainteresowanie - lub zabije się.

A więc ciekawa muzyka przechodzi od rozluźnienia do napięcia; Sposób, w jaki osiąga napięcie, jest różny. Ogólnie napięcie jest spowodowane zmianą między przeciwnymi końcami głośności, częstotliwości, szybkości, harmonii a dysonansu, powtarzania vs nigdy powtarzania itp.

Relaksująca i cicha piosenka / solo które nagle przyspiesza i staje się głośne, generuje napięcie. Utwór / solo, które podążało za prostymi tonami enharmonicznymi, należącymi do tonacji (pryma / oktawa, 3, 4/11, 5, 6), a następnie zaczyna przechodzić w bardziej złożone harmonie (2 / 9ths, 7ths, 13ths) ) będzie bardziej napięta.

Piosenka / solo, które ma ładną linię, a następnie ją powtarza, powtarza jeszcze raz, a potem jeszcze raz, może wywołać napięcie, odprężenie, a potem jeszcze większe napięcie, gdy słuchacz jest najpierw zaintrygowany frazą, a potem znudzony, ponieważ słyszałem to kilka razy, a potem znowu zaintrygowany, ponieważ „to kiedyś musi się zmienić!”. Słuchacz lubi wyzwania; całkowite powtórzenie, jak „runda”, np. „Wiosłuj, wiosłuj, wiosłuj swoją łodzią”, staje się nudna. Zmień melodię, a słuchacz ożywi się. Powtórz to, zmień, powtórz nową zmianę, powtórz oryginalną linię, a następnie rozgałęzienie się dalej kończy drażnienie słuchacza; Flirtujesz z nimi, bawisz się ich muzyczną pamięcią. Stwórz ładną linijkę, powtórz ją, zagraj kilka wariacji, powędruj po boisku, a potem wróć do niej później, zabierz słuchacza na wycieczkę i przywieź do domu.

Wracając do Duane'a Allmana i Dickiego Zakłady. Na tym albumie grali godzinami. Solówki są improwizowane i wyciągają wszystkie teoretyczne sztuczki związane z napięciem / uwolnieniem. Rozwijają tematy, wyrywają się, wracają do nich, potem drugi przejmuje kontrolę, rozwija go dalej, a potem razem kończą. Są miejsca, w których cały zespół cofa się do bardzo cichych dźwięków, a gitara cicho podąża za tym, a następnie prowadzi zespół z powrotem do pełnej głośności.

Jest wiele innych świetnych solówek i solistów, ale nie było zbyt wielu zespołów składających się z muzyków, którzy rozumieli improwizację, jak The Allman Brothers, i którzy mogliby ją wykonać na żywo.

Derek Trucks i Warren Hayes, którzy notabene często grają obecnie z Allman Brothers, są również świetnymi solistami. Słyszałem, że Jimmy Herron, który również przebywa z tymi samymi ludźmi, również może bardzo ładnie popracować nad piosenką.

Tak więc pisanie dobrej melodii / piosenki / solo jest świadomością tworzenia i wydawania napięcie, nie tylko podczas pisania, ale podczas wykonywania. Podczas improwizacji natychmiast zdajesz sobie sprawę z tego, dokąd chcesz, aby piosenka poszła, jak będziesz kontrolować napięcie i co zrobisz, aby ją uwolnić.

Większość solówek gitarowych, jakie przychodzą mi do głowy, wydaje mi się najbardziej zbliżona do „obiektywnie dobrego”, pasującego w jakiś sposób do piosenki. Trudno jest naprawdę zakwalifikować to lepiej. Weźmy na przykład pod uwagę następujące kwestie:

• „Come As You Are” i „Smells Like Teen Spirit” to dwa przykłady solówek, które w zasadzie odzwierciedlają linię wokalną, z różnymi efektami akcentującymi ton. Żaden z nich nie jest szczególnie trudny dla większości gitarzystów, ale oba „pasują” do piosenki i śmiem powiedzieć, że bardziej szalony rodzaj solówki nie brzmiałby tak dobrze.
• „Heartbreaker” Led Zeppelin zawiera gitara solo i to całkiem niezła, bez żadnych innych instrumentów. Myślę, że bardzo, bardzo niewiele piosenek mogłoby to zrobić.

To tylko 2 przykłady solówek, które uważam za „dobre”, które nie są najbardziej typowym typem. Co oni mają ze sobą wspólnego? Wydają się „pasować” do piosenki. Wydaje się, że coś w rodzaju „Wiem to, kiedy to widzę”.

Zgadzam się z odpowiedziami tutaj. Napięcie, uwolnienie, jasne.

Oto, co sobie mówię: solo jest jak opowieść. Musi mieć akty i komponenty. Możemy nakreślić bezpośrednie granice między mechanizmami literackimi, takimi jak powtarzające się motywy i tematy. Widzimy ten sam rodzaj rzeczy w dobrych aktach komediowych. Najlepsze nie są formalne, ale mają wymagającą strukturę i sens. Jako gracze możemy też mieć humor, nawiązania do innych melodii, nawiązania do popkultury. Znowu, jak w opowiadaniu. To uważna, strategiczna improwizacja. Jest wyhodowana.

Zatem dla mnie stosowanie formuły przy tworzeniu dobrego solo jest jak podłączanie formuły do ​​tworzenia dobrej literatury. To nigdy nie zadziała - są bardziej wyrafinowane.

Drugą rzeczą, której tu nie widziałem, jest wzmianka o sercu lub zamiarach. Możemy twierdzić, że nie jest to element „obiektywny”, ale wiele na ten temat nie jest. Niektórzy z najbardziej nastawionych na teorię graczy, jakich znam, nie mają charakteru ani pasji w swojej grze. Nie ma ognia. Żadnej osobowości. Dzieje się tak, ponieważ nie można tego nauczyć w tym dosłownym sensie. Musisz odpuścić i spojrzeć na to rodzaj medytacji fugi. Osobiście jestem bliżej oka, gdy gram solo (ok, nie jest to prawda w przypadku super twardych utworów). To część całego procesu. Spektakl to komunia; solo to święta historia - chcesz pokazać ludziom coś wyjątkowego i (przynajmniej dla mnie) namiętnego. Kiedy gram koncert, zawsze jestem komplementowany za moje solo. Zwykle konkretne solo. Mogą powiedzieć: „Człowieku, to było niesamowite. To było naprawdę smutne!” I tak właśnie jest. Jeśli gram Claire De Lune, jest mi smutno. Jeśli tylko jedna osoba to zrozumie, komunikujemy się i wykonuję swoją pracę. Baw się sercem. Graj tak, jak chcesz. To jest dobre solo.

Dobre solo na gitarze powinno robić dokładnie to, co robi wokalista, tj. wyrażać emocje związane z piosenką !! Kiedy solo to potrafi, jest świetne!

Kilka rzeczy, na które chciałbym zwrócić uwagę.

• Solo, które grasz, zawsze zależy od nastrój piosenki. Jeśli piosenka jest delikatną, emocjonalną piosenką lub balladą, która prowadzi do agresji, cóż, solówka też powinna. Może zaczynać się powoli, używając pojedynczych nut i wibratorów, a następnie budować agresję piosenką (to tylko sugestia). Również jeśli piosenka jest już agresywna i ma się złagodzić, możesz to zrobić odwrotnie.

• Zawsze czułem, że solówka podąża za wzór akordów (jeśli w ogóle) zawsze brzmi pięknie !! Każdy może tworzyć bezmyślne solówki, ale potrzeba cierpliwości i odpowiednich emocji, aby stworzyć solówkę zgodnie z rytmem akordowym. Marty Friedman (ex-Megadeth) głosi tę koncepcję !!

• Kiedy już stworzysz solówkę, słuchaj go jak słuchacz, a nie jak kompozytor. Oceń siebie. Powiedz sobie, co mogłeś usłyszeć w solówce w przeciwieństwie do tego, co jest grane. Pomoże Ci to lepiej komponować !!

• Jeśli chcesz, aby były techniczne, pomyśl o wszystkich technikach, których się nauczyłeś. Spróbuj połączyć każdą technikę z emocją i odpowiednio ją wykorzystaj w solówce. Osobiście uważam, że pojedyncze nuty, delikatne wibracje, slajdy i miękkie legato razem tworzą wspaniałe emocjonalne / smutne / przygnębiające solo. Z drugiej strony szybkie stukanie, zamiatanie, mocne łamanie vibrato, ciągłe szybkie legato zapewniają dobre agresywne odczucia. To tylko mój punkt widzenia, stwórz własny !!

Wracając do punktu, w którym zacząłem. Solo powinno wyrażać emocje !! Posłuchaj solówek Joe Satrianiego, Steve'a Vaia lub Marty'ego Friedmana i JESTEM NA 100% PEWNY, że zrozumiesz, co próbuję powiedzieć.

Mam nadzieję, że to pomoże!

Niezapomniane solo na gitarze opowiada historię. Roy Buchanan zagrał kiedyś niesamowite solo na gitarze, w którym grał tylko jedną nutę na wiele różnych sposobów.

Zobacz Techniki solowe na gitarze, szczególnie moją odpowiedź na temat solowych historii i narracji.